متحف الفن الحديث (Moderna Museet) هو متحف حكومي للفن الحديث والمعاصر يقع في جزيرة Skeppsholmen ، وهي بيئة من الجمال الطبيعي. تم افتتاح المبنى في عام 1958 ، وقد صممه المهندس المعماري الإسباني رافائيل مونيو. في عام 2009 ، افتتح المتحف فرعًا جديدًا في مالمو في جنوب السويد ، موديرنا موسيت مالمو.

Moderna Museet هو متحف حكومي له ولاية وطنية للفن الحديث والمعاصر. المجموعة في طليعة من نوعها في أوروبا. المتحف هو مكان لقاء الناس والفن مع أساس قوي في المجتمع والعالم بأسره. من خلال برنامجها العالمي للمعارض والمشاريع القائمة على المجموعات والأنشطة التعليمية ، تتمتع Moderna Museet بحضور محلي كبير وانتشار دولي. التبادل مع المؤسسات الفنية الأخرى حول العالم واسع النطاق.

متحف ستوكهولم للفن الحديث هو هيئة إدارية حكومية تابعة لوزارة الثقافة ، ولديه ، وفقًا لتعليماته ، مهمة جمع فنون القرنين العشرين والحادي والعشرين بجميع أشكالها وحفظها وعرضها وإيصالها. تشجع Moderna Museet الاتصالات الدولية من خلال التعاون مع مؤسسات خارج السويد في شكل معارض متنقلة ، كما ستكون مسؤولة أيضًا عن المشاركة السويدية في بينالي الفن الدولي. المتحف الحديث هو أيضًا متحف مركزي ، يتحمل مسؤولية وطنية في منطقته.

تم افتتاح متحف Moderna Museet في صالة التمرين في Skeppsholmen في 9 مايو 1958. وذكَّر المشرف على المتحف الوطني ، أوتي سكولد ، في خطابه الافتتاحي أنه في وقت مبكر من عام 1908 تم أخذ مشكلة الفن المحلي الحالي في المتحف الوطني بجدية وفكرة بناء جديد لهذه المجموعات. قبل وفاته بفترة وجيزة ، رأى أوتي سكولد بنفسه أن المتحف أدرك وأن التزامه بإنشاء المتحف الجديد كان حاسمًا. جنبا إلى جنب مع ، من بين أمور أخرى ، أصدقاء المتحف الحديث ، الذي تأسس في عام 1953 ، أعطى مجموعة المتحف الوطني لفن القرن العشرين منزلها الخاص. جاء مديرا القيادة في المتحف بونتوس هولتين وأولي جراناث مع اتصالاتهم ومبادراتهم لمتابعة هذه النوايا في العقود التالية.

في 14 فبراير 2004 ، أعيد افتتاح مبنى المتحف بالاحتفالات. بالإضافة إلى الإصلاحات ، تم اغتنام الفرصة لتحسين بعض المساحات ، جزئيًا لتسهيل تنقل الزوار عبر المتحف ، وجزئيًا لاستخدام مساحة المدخل العلوي بشكل أكثر ملاءمة. في نفس الوقت ، تم تحديث الملف البياني للمتحف. ميزة رئيسية أخرى في إعادة الافتتاح هي تقديم مضيفي المتاحف – الأشخاص الذين لديهم مجموعة متنوعة من المهارات ، من إنقاذ الأرواح إلى القدرة على إخبار الزوار عن الأعمال الفنية في كل من المعارض الدائمة والمؤقتة. كان السبب في تقديم مضيفين جدد هو تلبية الزيادة الكبيرة في أعداد الزوار منذ إلغاء رسوم الدخول.

في عام 1901 ، أسس المهندس المعماري جون سميدبرج مبنى محطة كهرباء جميل في 22 Gasverksgatan. في الوقت الحاضر ، ذهبت مهمة تحويل المبنى إلى متحف أكثر ملاءمة إلى شركة الهندسة المعمارية الحائزة على جوائز Tham & Videgård Hansson Arkitekter. اختاروا إنشاء ملحق جديد – إضافة معاصرة للمبنى التاريخي. ومنح الداخل نظامًا مكانيًا جديدًا تمامًا.

شغف موديرنا ميوزيت هو التوسط في الفن للناس. لاحتضان الناس وتحديهم وإلهامهم ونحن مدفوعون بطموح للتحدث مع الكثيرين. Moderna Museet شامل للاحتفال بالتنوع من خلال الاعتراف بأن الناس يصلون من نقاط انطلاق مختلفة. تعمل Moderna Museet على جذب جمهور أوسع من خلال مشاركة روائع الفن.

لدى Moderna Museet تاريخ طويل في استضافة فنانين عالميين للمعارض والعروض والعروض التقديمية الأخرى ، وكذلك من خلال مجموعتها ذات الشهرة العالمية. جرب واحدة من أهم مجموعات الفن في أوروبا من القرن العشرين حتى اليوم ، والتي تضم أعمالًا لفنانين مثل بيكاسو ودالي وديركيرت وماتيس.

القوة الاستثنائية للفن هي شريان حياتنا. ينشأ الفن ويعكس زمانه. إنها تمكن الأسئلة التي تولد وجهات نظر جديدة ؛ الفنانون قوة هائلة ويحفزون الإبداع على نطاق أوسع. فن موديرنا ميوزيت هو بطل الفن لأنه يصوغ مسارات جديدة ويتيح رؤية عاكسة لكل من التاريخ والحاضر.

كان Moderna Museet عبارة عن منصة محفزة للناس والفن ، ليكون متحفًا حيويًا ومنفتحًا وديناميكيًا موجودًا كروح ، متحفًا يقدم للجمهور طرقًا ملائمة وجذابة ومباشرة لمواجهة الفن على قدم المساواة. تُلهم Moderna Museet وتخلق مساحة للأفكار الجديدة من خلال كونها منصة محفزة تجعل الفن العالمي في متناول جمهور عريض. وضعنا معايير جديدة للمتاحف الفنية في جميع أنحاء العالم.

Moderna Museet يجمع الفن الحديث والمعاصر ويحافظ عليه ويعرضه ويتوسط فيه. تدير Moderna Museet تراثنا الثقافي بناءً على أعلى معايير التميز وتنتج أبحاثًا تؤدي إلى تعاون دولي عالي الجودة والاعتراف. Moderna Museet هي مؤسسة رائدة في مجالنا ونؤمن بمشاركة معرفتنا.

يجب أن تكمل مجموعة Moderna Museet وأبحاثها ومعارضها ووسطتها واتصالاتها وتخصب بعضها البعض ؛ هذه الأنشطة لا يمكن أن تقف وحدها. Moderna Museet تعرّف أنفسنا على أساس السياقات التي نشارك فيها. يجب أن يرتكز هدفنا المتمثل في إتاحة أكبر قدر ممكن من الفن لأكبر عدد ممكن من الناس على الممارسات المستدامة التي تأخذ في الاعتبار التأثيرات البيئية والاجتماعية. يجب أن تكون موديرنا ميوزيت مدفوعة بالشجاعة للتجربة ، وأن تجرؤ على تخطي الحدود واتخاذ مسارات جديدة في الطريقة التي ندير بها مهامنا.

مع مجموعة فنية تضم أكثر من 130000 عمل ، يعد Moderna Museet (متحف الفن الحديث) متحف السويد الرائد للفن الحديث والمعاصر. تمتلك Moderna Museet واحدة من أرقى مجموعات الفن الحديث والمعاصر في أوروبا. تحتوي المجموعات على الرسم المعاصر والنحت والتصوير الفوتوغرافي والأفلام الفنية من عام 1900 وما بعده ، وفي حالة الصور أيضًا من حوالي عام 1840.

من خلال الجمع بين الروائع العالمية لفنانين مثل وارهول وبيكاسو ودالي مع المعارض المؤقتة لفنانين بارزين في القرنين العشرين والحادي والعشرين ، تمكنت موديرنا ميوزيت من جذب العديد من الزوار العائدين لتجربة فنية متغيرة باستمرار. سيطر الفن السويدي والاسكندنافي على المجموعة الأصلية ، والفن الأمريكي من الخمسينيات والستينيات ، والحداثة الفرنسية ، ومع ذلك ، تم توسيع المجموعة لتشمل المزيد من الفنانات لإنشاء مجموعة أكثر تنوعًا مع أعمال من جميع أنحاء العالم. العالمية.

يرتب متحف Moderna Museet العديد من المعارض الكبيرة في كل من ستوكهولم ومالمو كل عام ، وعدد من المعارض متوسطة الحجم وصغيرة الحجم. في عام 2012 ، استقبل المتحف في ستوكهولم حوالي 500000 زائر والمتحف في مالمو أكثر من 100000 زائر.

منذ البداية في عام 1958 ، اشتهر المتحف بعلاقته الوثيقة بالفنانين – فقد وقع مارسيل دوشامب ، على سبيل المثال ، العديد من أعماله في ستوكهولم قرب نهاية حياته ، وكان أندي وارهول قد أقام معرضه الفردي الأول في أوروبا في موديرنا ميوزيت عام 1968.

تضم مجموعة Moderna Museet الآن حوالي 6000 لوحة ومنحوتات وتركيبات و 25000 لوحة مائية ورسومات ومطبوعات و 400 مقطع فيديو فني وفيلم و 100000 صورة فوتوغرافية. تغطي المجموعة اللوحات والمنحوتات والمنشآت والأفلام ومقاطع الفيديو والرسومات والمطبوعات لفنانين سويديين وعالميين من القرنين العشرين والحادي والعشرين ، والتصوير الفوتوغرافي من أربعينيات القرن التاسع عشر حتى اليوم.

بفضل مبادرات التجميع المركزة ، نجح المتحف في زيادة اتساع وعمق مجموعته. مرة أخرى في عام 1963 ، تم إطلاق متحف رغباتنا ، وتحويل المتحف على الفور إلى مؤسسة فنية أوروبية رائدة. ساهمت الحكومة بمبلغ 5 ملايين كرونة سويدية للحصول على أعمال أيقونية لجياكومو بالا ، وفرانسيس بيكابيا ، وكورت شويترز ، وجورجيو دي شيريكو ، وغيرهم الكثير. قبل بضعة عقود ، تكرر التمرين ، لكن هذه المرة سلطت الضوء على الفنانات فقط – تمت إضافة أعمال لويز بورجوا ودوروثيا تانينج وجودي شيكاغو وسوزان هيلر وآخرين إلى المجموعة.

يمكن عرض جزء صغير فقط من المجموعة. لكنه يسمح لنا باستكشاف وإعادة صياغة السرد التاريخي للفن القياسي من خلال رؤى جديدة وتغييرات مستمرة في المعرض. يتضمن ذلك Moderna Museet Malmö ، بزاوية مبتكرة في اختيار وعرض الأعمال من المجموعة منذ افتتاحها في عام 2009.

تعتبر المجموعة الفنية الكبيرة أفضل نقطة انطلاق للتجارب البصرية والفكرية. Moderna Museet ، كمتحف مفتوح وحي ، تعيد كتابة التاريخ القياسي للحداثة باستمرار من خلال إعادة تغيير مجموعتها بطرق جديدة جذرية. منذ عام 2009 ، يوجد بالمتحف موقعان ، ستوكهولم ومالمو ، حيث تم عرض مجموعة مختارة من الأعمال المبتكرة من المجموعة بانتظام منذ الافتتاح. يتوفر دائمًا عدد قليل من الأعمال المميزة ، مثل المناظر الطبيعية المغربية لهنري ماتيس (Acanthus) ، و Monogram لروبرت راوشينبيرج ، ومنحوتة Eva Hesse بدون عنوان.

انفجار! – الرسم كعمل
يستكشف الانفجار التخصيب المتقاطع الغني والمعقد والأراضي الحدودية للرسم والأداء والفن المفاهيمي. تتبع هذه الفكرة الموسعة للرسم كعمل من أواخر الأربعينيات حتى اليوم. سيشمل المعرض أعمالًا بوسائل مختلفة لنحو 45 فنانًا من أجزاء كثيرة من العالم مثل مجموعة Gutai اليابانية المهمة ، من بين آخرين شوزو شيماموتو ، ساداماسا موتوناجا ، سابورو موراكامي وكازو شيراغا ، جنبًا إلى جنب مع فنانين مثل ألان كابرو ، جاكسون بولوك ، نيكي دي سانت فال ، إيف كلاين ، آنا مينديتا ، أليسون نولز ، ريفان نوينشفاندر ، يوكو أونو ولورانس وينر.

بعد الحرب العالمية الثانية ، بدأ عدد من الرسامين في أجزاء مختلفة من العالم بمهاجمة الافتراضات الأساسية للرسم بطرق كانت في آن واحد عدوانية ومرحة. يعلق العديد من الفنانين أهمية كبيرة على العمل الإبداعي نفسه كما فعلوا في اللوحة التي نتجت عنه. في هذه المنطقة الحدودية بين الرسم والأداء ، غالبًا ما يتم تجنيد الصدفة أو المتفرج كمبدعين مشاركين للعمل. هذا الموقف التجريبي والمفاهيمي للرسم والفن ألهم لاحقًا الكثير من الفنانين الآخرين. في السنوات الأخيرة ، ازداد الاهتمام بفن الأداء ، ومعه الاهتمام بجذوره.

إغناسي أبالي (1958)
تتكون أعمال Ignasi Aballí من سلسلة طويلة من آثار الأقدام القذرة على طول الجدار. تم صنعها من قبل الفنان وهو متكئ على الحائط ويستريح قدم واحدة عليه. يعمل العمل أيضًا كنوع من تصميم الرقصات ، حيث يتم دعوة الجمهور لإكماله من خلال الاتكاء على الحائط وترك آثار أقدام قذرة على جدار المتحف الأبيض الناصع في العادة. Aballí مشغول بقضايا الغياب والاختفاء ، وطرق مختلفة لالتقاط الوقت. غالبًا ما تكون ممارسته مفاهيمية ، بناءً على خلفيته كرسام.

وليام أناستاسي (1933)
في أوائل السبعينيات ، بدأ ويليام أناستاسي العمل على سلسلة من الرسومات العمياء عندما كان في مترو أنفاق نيويورك. في كثير من الأحيان ، كان في طريقه إلى جون كيج للعب الشطرنج. مع وجود لوحة الرسم في حضنه والقلم في كل يد ، كان يضع سماعات أذنه الكبيرة ويغمض عينيه للتركيز وتحقيق حالة ذهنية تأملية. تحرك جسده مع الترانيم والتوقفات والتسارع للقطار. مثل جهاز قياس الزلازل ، سجل أناستاسي التغييرات في موقعه. من خلال تحويله إلى أداة لتسجيل حركة القطار ، تخلى عن تأليفه للرسومات. عنوان العمل هو وقت صنعه.

جانين أنتوني (1964)
تستخدم جانين أنتوني شعرها كفرشاة طلاء لطلاء أرض المعرض باستخدام لون الشعر Loving Care. يستكشف أنطوني الطقوس اليومية التي نؤديها على أجسادنا. تأخذ الأنشطة اليومية ، مثل الأكل والاستحمام ومسح الأرض وتحويلها إلى عمليات نحت وتقليد طقوس الفن. تحفر أسنانها وترسم بشعرها ورموشها. المواد التي تستخدمها هي تلك التي تستخدم عادة على الجسم لتعريفه في المجتمع – الصابون ، شحم الخنزير ، الشوكولاتة وصبغ الشعر. وتعني أهميتها الخاصة بالنسبة للمرأة أن أعمالها يتم تفسيرها بشكل مختلف اعتمادًا على جنس المشاهد ، على حد زعمها.

جون بالديساري (1931)
نظرًا لكونه ابنًا لمالك العقار ، كان على جون بالديساري أحيانًا إعادة تزيين الشقق. اعتاد على التظاهر بأنه كان يرسم لوحة عندما كان يرسم جدارًا. ساعده هذا التمرين المفاهيمي الممتع على اجتياز الأعمال الرتيبة. كما بدأ يفكر في الاختلاف بين نوع واحد من الرسامين والآخر. في Six Colourful Inside Jobs ، يتيح Baldessari لأي شخص إعادة طلاء غرفة لمدة ستة أيام بالألوان الستة الأساسية والثانوية ، وتصويرها كلها من الأعلى. ساعات الرسم تصبح دقائق من الفيلم. العنوان هو لعبة الكلمات. يلمح Inside Job إلى دراما بوليسية في هوليوود. الوقت يتوافق مع ستة أيام عمل في الأسبوع. مثل الله ، يستريح الرسام في اليوم السابع.

ليندا بنجليس (1941)
في سلسلة أعمال ليندا بنجليس ، صب ، يُسكب الطلاء من أحواض كبيرة ويترك ليجف على الأرض. وبالتالي ، فإن الطلاء له طابع النحت ، والطلاء المجفف مع عدم وجود “دعم” على شكل قماش أو لوحة. على عكس بولوك ، لا يتم تعليق اللوحة على الحائط ولكن يتم تثبيتها مباشرة على الأرض. بالإضافة إلى صفاتهم الفنية والنحتية ، فإن أعمال بنجليس هي أيضًا تعليق على بولوك ، والذي تم تعزيزه بشكل أكبر في الصور المنشورة في المجلة الأمريكية الحياة في عام 1970 ، إلى جانب صورة أصغر لرسومات بولوك.

أول بونيير (1925)
عرض أول بونيير أعماله لأول مرة في معرض جماعي أسطوري في ستوكهولم عام 1947. بعد ذلك بعامين ، في عام 1949 ، ابتكر العمل Plingeling ، وهو عبارة عن لوحة تجريدية ونوتة موسيقية. يمكن النظر إلى هذه اللوحة البيضاء على أنها كون قزحي الألوان. النقاط التي تنشأ في هذا الكون لها مدارات غير منطقية ، تتصادم أحيانًا مع بعضها البعض بحيث ينشأ صوت رنين. لا يحتوي Plingeling على أي تعليمات صريحة حول كيفية تشغيله ، والنتيجة مختلفة في كل مرة يتم تنفيذها. يعد عمل Bonniér مثالًا مبكرًا للرسم الأدائي ، وهو عمل تم إنشاؤه كلوحة ولكنه يتضمن تعليمات يمكن تحويلها إلى موسيقى.

جورج بريشت (1926-2008)
Water Yam هو كتاب فنان نشره جورج بريخت في الأصل عام 1963 ، في صندوق صممه جورج ماسيوناس ، الذي كتب بيان Fluxus. يحتوي هذا الصندوق ، الذي يُطلق عليه أحيانًا Fluxbox أو Fluxkit ، على بطاقات بأحجام مختلفة تمثل نتائج أحداث ، أو درجات Flux ، لأنواع مختلفة من الأحداث. غالبًا ما تترك الدرجات مجالًا للصدفة أو الصدف ، مما يجبر المستخدم أو الجمهور إذا تم تنفيذ النتيجة علنًا ، على تقديم تفسيرهم الخاص وبالتالي يصبحون مشاركين في إنشاء العمل. قال بريشت إن علاماته كانت تهدف إلى ضمان “أن تفاصيل الحياة اليومية ، الأبراج العشوائية للأشياء التي تحيط بنا ، تتوقف عن المرور دون أن يلاحظها أحد”.

توني كونراد (1940)
عندما وصل توني كونراد إلى نيويورك في الستينيات ، كان متشككًا في المشهد الفني لكنه اكتشف المشهد السينمائي النابض بالحياة ، ووجده أكثر إثارة للاهتمام لأنه كان مستقلاً عن المؤسسات الفنية. أراد كونراد أن يدمج الفيلم مع التطورات الجديدة والمثيرة في الرسم. كانت إحدى استراتيجياته هي صناعة أفلام طويلة جدًا. كان أندي وارهول قد صنع أفلامًا استمرت لمدة 24 ساعة. فيلم Yellow Movie عمل كونراد هو فيلم استمر لمدة 40 عامًا! الفكرة هي أن الطلاء الرخيص يتغير لونه تدريجياً بمرور الوقت. لا أحد يستطيع قياس التغيير الذي يحدث في “الفيلم” ، لكن هذا ليس له أي نتيجة ، لأنه يحدث في خيالك ، كما يقول كونراد.

أويفيند فهلستروم (1928–1976)
كان Öyvind Fahlström فنانًا متعدد الأوجه عمل بشكل تجريبي وفي العديد من التخصصات. كان فنانًا تشكيليًا وكاتبًا وصانع أفلام وملحنًا. كان لمواجهته مع فن البوب ​​\ u200b \ u200b وثقافة الكتاب الهزلي في نيويورك في أوائل الستينيات تأثيرًا جذريًا على فنه ، وبدأ في رسم لوحات متغيرة على شكل ألعاب لوحية. كانت الألعاب طريقته في توضيح مجموعات القوى السياسية والاجتماعية والاقتصادية. تتم دعوة المشاهدين عمدًا لتحريك علامات وعناصر اللوحات لتشكيل مجموعات جديدة.

سيل فلوير (1968)
اهتمامات سيل فلوير الرئيسية هي الضوء والظل واللون ، وكيف ندرك ونفسر العالم بحواسنا. مع الاستخدام الغزير للتكنولوجيا الحديثة ، تبتكر أعمالًا قائمة على الأفكار تجمع بين الأناقة والبساطة الظاهرة. هنا ، تمتلئ شاشة العرض بالكامل بألوان متبادلة. هذه في الواقع لقطات مقرّبة لكوب من الماء ، تُغمس فيه فُرش ذات أصباغ مختلفة. تتوافق الأصباغ مع الألوان الأساسية لتقنية الفيديو. وهكذا ، يجمع Floyer بين الألوان التناظرية والرقمية.

بينوت جاليزيو ​​(1902–1964)
في عام 1959 ، تم نشر مانيفيسو بينوت جاليزيو ​​للرسم الصناعي. كان من المقرر إنتاج الفن الصناعي ميكانيكيًا وإتاحته للجميع. كان يجب أن يصنع الفن بين الناس ، أو لا يصنع على الإطلاق. كانت الفكرة أن يتم إنتاج آلاف الكيلومترات من القماش بكميات كبيرة ثم توزيعها على الناس لتحريرهم من الفن البرجوازي الذي أدى إلى المضاربة المالية وساهم في استمرار الانقسام الطبقي. ستصبح الكمية والجودة شيئًا واحدًا ، وبالتالي تنتهي مكانة العمل الفني كسلعة فاخرة. كان غاليزيو ​​أيضًا عضوًا مؤسسًا في حركة الفن اليساري الراديكالي المعروفة باسم الواقعية ، والتي أرادت تحرير الفن من دوره كسلعة فتشية للرأسمالية.

كاي جوو تشيانغ (1957)
يستخدم Cai Guo-Qiang البارود والألعاب النارية لرسم الصور في الهواء. أحيانًا تستمر هذه الأعمال لبضع ثوان ، وأحيانًا تترك الانفجارات آثارًا على الورق أو القماش. منذ عام 1989 ، تقوم Guo-Qiang بتنفيذ “مشاريع من أجل كائنات فضائية” أعمال متفجرة ضخمة مباشرة على الأرض ، بحيث يمكن رؤيتها من الكواكب الأخرى. في عام 1998 ، نفذ Guo-Qiang مشروعًا على المياه المتجمدة بين Moderna Museet ومتحف Vasa: جعلت سلسلة من الصمامات والبارود المياه بين الجزيرتين جزءًا للحظة ، مثل البحر الأحمر في الكتاب المقدس ، عندما موسى قاد اليهود إلى أرض الميعاد.

سادهارو هوريو (1939)
أظهر Sadaharu Horio عمله لأول مرة مع Gutai في عام 1966. مع أكثر من 100 معرض وعروض سنويًا ، يؤكد أن المعارض ليست حالة منفصلة ولكنها امتداد للحياة ، وأن الأنشطة اليومية هي في الأساس عرض . كل لحظة مختلفة ولا يمكن الاستغناء عنها. يكرس هوريو نفسه لإمكانيات اللحظة بانفتاح الطفل. في طقوس مستمرة ، يقوم بتغطية الأشياء اليومية من حوله بالطلاء كل يوم. لتجنب الاضطرار إلى اختيار الألوان ، يلتزم بترتيب الدهانات في الصندوق ، وبالتالي يتجنب أي أثر شخصي. يمكن لأي شخص الاستيلاء على هذه الطقوس الرسامية وإدامتها إلى الأبد.

إيف كلاين (1928–1962)
بالنسبة إلى إيف كلاين ، يمثل اللون الأزرق الفراغ والسماء والبحر – غير الملموس. جميع أعماله تقريبًا أحادية اللون في لون توقيعه ، International Klein Blue. استخدم مادة رابطة خاصة لا تؤثر على لمعان وشدة الصبغة. إن أنثروبومترية كلاين هي لوحات مصنوعة من الجمهور ، مثل العروض. رسمت النماذج مباشرة على أجساد بعضهم البعض وضغطوا على القماش ، أو جروا بعضهم البعض ، مثل فرش المعيشة. يقال إن كلاين قد خطرت له فكرة الرسم كبصمة مباشرة للجسد عند رؤيته حجرًا في هيروشيما بظل إنسان محترق فيه بواسطة القنبلة الذرية. قد يكون هذا المنظر أيضًا مصدر إلهام للوحاته النارية.

أكيرا كاناياما
أكيرا كاناياما كان سكرتير مجموعة Gutai. قال مازحا إن المنصب ينطوي على الكثير من العمل لدرجة أنه لم يكن لديه وقت للرسم وبدلا من ذلك ترك لعبة سيارة تعمل بالتحكم عن بعد ترسم له. يمكن اعتبار العمل الناتج (1957) بمثابة نقد لرسومات جاكسون بولوك بالتنقيط ، والتي تشبهها بعض الشيء. في Kanayama ، يتم استبدال العبقري الذكر الذي يعبر عن مشاعره بالطلاء بواسطة سيارة لعبة تدور بشكل عشوائي حول الورقة ، تاركة أثرًا من الطلاء ، أو ، كما في العمل Footprints ، حيث ترك نعال الفنان آثارًا على الورق. وهكذا تحدى كاناياما الصلة الشخصية للفنان بجودة العمل وبراعته.

بول مكارثي
الأشرطة السوداء والبيضاء عبارة عن مجموعة من 13 عرضًا مبكرًا من السبعينيات. يُظهر هذا الاختيار التطور الناشئ للموضوعات ، والجسد الوحشي ، وشخصية الأداء التي أصبحت تدل على أعماله. مثل هيرمان نيتش ونشطاء فيينا ، يستكشف بول مكارثي فقدان السيطرة ، ولكن بدون عناصر الطقوس مع روابط مباشرة مع سطحية هوليوود ووفرة المواد. الشائع بين كل من Nitsch و McCarthy هو أن الشكل السائل (الطلاء) لا يقتصر مباشرة على قماش بل ينسكب بطريقة تشبه سوائل الجسم التي تظهر فجأة وبشكل كارثي في ​​كل مكان.

آنا منديتا
في أوائل السبعينيات ، بدأت آنا مينديتا في إنشاء صور ظلية و “منحوتات جسم الأرض” من الدم والأرض والنار والماء بشكل رئيسي. باستخدام جسدها كأداة لها ، تركت بصمات بشرية على الطبيعة. تم توثيق أدائها في الفيلم. كانت آنا منديتا أول من جمعت بين الحركتين المعاصرتين لفن الأرض وفن الجسد ، مما أدى إلى أعمال تنطوي على موضوعات الحياة والموت والمكان والانتماء. يرتبط استخدام Mendieta الشعائري للدم والبارود والأرض والنار أيضًا بالديانة الكوبية Santería. عندما كانت تبلغ من العمر ثلاثة عشر عامًا ، تم إرسال منديتا من كوبا إلى الولايات المتحدة الأمريكية ، حيث نشأت في دور للأيتام. بحثها عن الهوية والشعور بالانتماء يضفيان على أعمال منديتا بأكملها.

سابورو موراكامي
كان Saburo Murakami أحد مؤسسي مجموعة Gutai وأحد أعضائها الأكثر شهرة. صاغ مفهوم المجموعة للمعارض في الهواء الطلق وابتكر عروض الأداء التي تحدى فيها الرسم عن طريق تحريك حدودها واستكشاف ما إذا كان هذا النوع يمكن أن يتجاوز الرسم على القماش. العمل ستة ثقوب هو ضربة حقيقية ونظرية ضد الرسم. قام الفنان بعمل ثقوب من خلال طبقات متعددة من الورق البني المشدود على إطار ، باستخدام أجزاء مختلفة من جسده. كانت نتيجة تجاربه أنواعاً جديدة من “اللوحات” ، وهي أول محاولة فنية لإعادة التفاوض على العلاقة بين الأداء والموضوع.

ريفان نوينشفاندر
تسمي ريفان نوينشفاندر فنها “المادية الأثيرية”. تستخدم المواد اليومية للتعبير عن مرور الوقت ، وهشاشة الحياة والعلاقات الإنسانية ، مما يسمح في كثير من الأحيان بالفرصة والعمليات التفسيرية لتحديد النتيجة النهائية ، كما هو الحال عندما طلبت من اثنين من الطهاة إعداد وجبة بناءً على قائمة التسوق التي وجدتها في أرضية سوبر ماركت. في العمل “القصص الثانوية” (2006) ، وُضعت دوائر من المناديل الورقية ذات الألوان الزاهية فوق السقف الداخلي باستخدام المراوح. بين الحين والآخر ، يسقطون بشكل عشوائي على الأرض ، ويشكلون أنماطًا جديدة مثل قطرات الطلاء.

هيرمان نيتش
جمعت عروض الرسم المسرحي والعدائي لفناني فيينا وفن الجسد بين الفن والطقوس والدين. في كثير من النواحي ، تشبه أعمال هيرمان نيتش الأعمال الدرامية الكلاسيكية ، مع سعيها للتنفيس ، وهو شكل من أشكال التطهير الشافي من خلال المعاناة. إنهم يقاومون حقيقة أن الإنسان الغربي الحديث بعيد جدًا عن الطقوس التي تسبب النشوة بأثرها التطهير والتجدد. وفقًا لهذه الأفكار ، لا يمكننا تجربة فرح عظيم ما لم نتمكن أيضًا من تجربة الألم والحزن والخوف. يمكن النظر إلى ممارسات أتباع فيينا على أنها جزء من التقليد التعبيري النمساوي ، مع عناصر من الكاثوليكية والتحليل النفسي والتمرد ضد النظام الاجتماعي الهرمي البرجوازي.

نيكي دي سانت فال
في أوائل الستينيات من القرن الماضي ، هزت نيكي دي سانت فال المشهد الفني الذي يهيمن عليه الذكور حتى أسسها من خلال صور التصوير (Tirs). في هذه الأعمال ، قامت بتغطية حاويات الطلاء بطبقات سميكة من الجبس على لوح خشبي. ثم أطلقت عليهم النار من مسافة بعيدة. عندما أصابت الرصاصة الحاويات ، نفد الطلاء بشكل عشوائي على الجص. أصبح فعل إطلاق النار عملاً متعمدًا للغاية يمكن اعتباره أيضًا أداءً. وقالت نيكي دي سانت فال ، التي وصفت هذا الفعل ، إنها كانت تطلق النار على جميع الرجال وشقيقها والمجتمع والكنيسة والمدرسة.

جاكسون بولوك
عندما حقق جاكسون بولوك نجاحًا كبيرًا في عام 1947 ، تحول إلى طريقة جديدة تمامًا وثورية للرسم. وضع قطع قماش كبيرة على الأرض مباشرة ، وقام بغمس الفرشاة والعصي في أواني من الطلاء السائل وتركها تتساقط على القماش بينما كان يتحرك حول الجوانب الأربعة لها ، بينما كان يستمع إلى موسيقى البيبوب الصاخبة أو موسيقى الجاز الأخرى. وقال إن هذه الطريقة مرتبطة بلوحات الرمل الخاصة بالهنود الأمريكيين الأصليين المصنوعة من الرمال الملونة المتناثرة بأنماط جميلة. بالنسبة لبولوك ، كان عمل الرسم نفسه مهمًا مثل العمل النهائي. كانت طريقته في الرسم تسمى الرسم بالحركة ، ويعتبر أحد الفنانين التعبيريين التجريديين البارزين.

روبرت روشنبرغ ، نيكي دي سانت فال
في مايو 1961 ، افتتح معرض الحركة في الفن بحفل. كانت نيكي دي سانت فال قد أرفقت عددًا لا يحصى من الأكياس المليئة بالطلاء بخلفية المسرح ، ووضعت فوقها ملاءة بلاستيكية وسجادة ، لتشكيل حلبة رقص. عندما بدأ الضيوف بالرقص ، انفجرت الأكياس مكونة لوحة تجريدية. بعد الحفلة ، كان روبرت Rauschenberg و Billy Klüver (مؤسس Experiments in Art and Technology ، EAT) هما الضيفان الوحيدان المتبقيان. كانت اللوحة لا تزال ملقاة على المسرح. أخذوها إلى الخارج ، واقترح راوشنبرغ أنه يمكنهم تحسين العمل ، وربما جذب انتباه سائق سيارة الأجرة ، من خلال نشره عبر الطريق. تركت العديد من السيارات المارة آثار إطارات على القماش قبل أن تتوقف سيارة الأجرة أخيرًا.

كارولي شنيمان
كارولي شنيمان رائدة في فن الأداء والفن النسوي. في أوائل الستينيات ، استخدمت جسدها كمواد فنية وكانت أول فنانة أمريكية تعمل في مجال “فن الجسد”. في Eye Body تظهر عارية ، ملطخة بالطلاء والشحوم والطباشير. بنقل اللوحة من القماش إلى جسدها ، تتحدى Schneeman الدور الأنثوي المعاصر والموقف السائد في الفن تجاه الجسد الأنثوي ككائن يتم تصويره والنظر إليه. لقد تعرضت لانتقادات لكونها جذرية ، لكن أعمالها المدهشة لها دائمًا هدف. باعتبارها موضوعًا وموضوعًا في لوحاتها ، فإنها تستعيد القوة على الجسد الأنثوي والجنس. بالإضافة إلى العروض ، تقوم Schneemann بعمل تركيبات وأفلام ومقاطع فيديو وتركيبات.

الكسوف – الفن في عصر الظلام
يصف الكسوف ، وهو سواد للشمس ، حالة في المجتمع حيث يبدو أن العديد من مُثُل عصر التنوير قد تم التخلي عنها – ونهج فني. يشترك الفنانون في هذا المعرض للفن المعاصر الدولي في عدم إيمانهم بثقافة تنويرية تعليمية ؛ ومن هنا جاءت الاستعارة في العنوان.

يستخدم الفنانون المميزون التركيب والنحت والأداء وعرض الفيديو والرسم كوسائطهم لاستكشاف وصياغة موضوعات مظلمة أو غير عقلانية. يتمتع الكثير منهم بإحساس خاص بعبثية الحياة ، مما يؤدي إلى إحساس منعش بالفكاهة. القضايا الوجودية المتعلقة بأحوال البشرية هي نقطة البداية. يتبع المعرض مسارين رئيسيين: أحدهما كئيب ، صوفي ومقتضب ، والآخر أكثر فوضوية وهزلية.

الكسوف هو بيان وسؤال عن الفن اليوم. إذا كان الفنانون في التسعينيات منشغلين بالواقع ، وهو موقف يمكن التعبير عنه ، على سبيل المثال ، في الاستراتيجيات الوثائقية والجماليات العلائقية ، فإن العديد من الفنانين اليوم يهتمون أكثر بالتكهنات ، في عكس ما هو غير مفهوم. قد يبدو من الصعب القول إننا نعيش في عصر مظلم. لكن بعد 11 أيلول / سبتمبر ، في عصر الاضطرابات السياسية ، نشهد تصاعدا في التعصب. يسلط المعرض الضوء على الفن غير السياسي بطريقة مبسطة ، لكنه يؤكد حقه في قول الشيء الخطأ ، وهو الفن الذي يستخدم رخصة الخيال للتجربة.

مايكل بورمانس
الفنان البلجيكي مايكل بورمانس (مواليد 1963 ، يعيش في غينت) ، المعروف بلوحاته ورسوماته ، يتميز بعدد من الأعمال بأسلوبه السريالي الجديد المميز. المشاركون هم أشخاص يبدو أنهم ينتمون إلى ماضٍ بني داكن ، عازمين في التركيز على بعض المهام المبهمة. تضيف عناوين الأعمال إلى حالة عدم اليقين بشأن نوع المشاهد التي ننظر إليها ، مثل The Advantage ، التي تظهر شابًا يرتدي سترة.

أنري سالا
الجودة الغامضة في لوحات بوريمانس لها مراسلات في أعمال فيديو أنري سالا (مواليد 1974 ، تعيش في برلين) ، غالبًا ما يتم تصويرها في شبه مظلمة. في أحد أعماله ، Ghostgames ، يشارك شخصان في لعبة على ما يمكن أن يكون شاطئًا في الظلام ، حيث يستخدمون أشعة مصباح يدوي لإغراء السرطانات أو الضغط عليها للزحف بين أرجل الخصم – وبالتالي تسجيل هدف . قلة المعلومات في الصور توحي بالأسئلة وتشحذ الحواس.

ناتالي دجوربرج
ناتالي دجوربيرج (مواليد 1978 ، تعيش في برلين) تنتج أعمال فيديو تدور أحداثها في عالم بشع من الأشكال المصنوعة من الصلصال. شكل الأفلام يشبه تلفزيون الأطفال ، لكن الشخصيات – غالبًا ما تكون النساء البدينات – متورطة في اعتداءات وحشية. يظهر Djurberg حاليًا في معرض فردي في Fondazione Prada في ميلانو.

دانا شوتز
دانا شوتز (مواليد 1976 ، تعيش في نيويورك) تستحضر اللوحات أيضًا عالمًا غريبًا ، ربما بعد نهاية العالم ، يسكنه ناجون بشع ، مثل “ أكلة لحوم البشر ” الذين يجرون عمليات جراحية لبعضهم البعض ، “ متعصبو الجاذبية ” “أو أولئك الذين هم ببساطة” في يسوع “. من الناحية الرسمية ، تتنقل بصدق بين الأساليب المختلفة في تاريخ الفن. غالبًا ما تستند لوحاتها إلى أفكار تمثل تحديات ، ويبدو أنها موضوعات مستحيلة للرسم.

إلين غالاغر
تعمل إيلين غالاغر (ولدت عام 1965 ، وتعيش في روتردام ونيويورك) على مزيج De Luxe من الشخصيات التاريخية والأسطورية المصنوعة من صور إعلانية قديمة تستهدف القراء الأمريكيين من أصل أفريقي. كما يتم عرض عدد قليل من ألوانها المائية من سلسلة Water Ecstatic. تستند السلسلة إلى أسطورة حول البشر تحت سطح البحر – نوع خاص نشأ من العبيد الحوامل الذين غرقوا على ممر تجارة الرقيق عبر المحيط الأطلسي.

توم مكارثي
توم مكارثي (مواليد 1969 ، يعيش في لندن) هو الأمين العام لجمعية INS – International Necronautical Society ، وهي عبارة عن مجموعة من الفنانين الطليعيين في أوائل القرن العشرين. يتم عرض INS مع تقرير – Calling All Agents – من أحد اجتماعات المجموعة في النمسا ، والذي يرتكب فكرة أن الفن يحتوي على رسائل تخريبية هي دياميت سياسي. سيتم تقديم عمل صوتي جديد خاص بالموقع من تأليف مكارثي باللغة السويدية في الأدلة الصوتية التي تُستخدم عادةً لتوجيه الزوار من خلال المجموعة.

لوكاس أجيميان
لوكاس أجميان (مواليد 1975 ، يعيش في نيويورك) يلمح إلى الفن باعتباره حاملًا للرسائل المشفرة. يقدم مع شقيقه ، عازف الجاز جيسون أجيميان ، عرضًا في الكنيسة على Skeppsholmen سيتم تصويره بالفيديو وعرضه في المعرض ؛ يعزفون موسيقى السبت الأسود الكلاسيكية في الفراغ من عام 1971 ، إلى الوراء ، جنبًا إلى جنب مع أوركسترا من عشرة رجال ، مع الإشارة إلى الأساطير التي تدعي أن هذا سيكشف عن رسائل خفية وشيطانية.

مايك نيلسون
مايك نيلسون (مواليد 1967 ، يعيش في لندن) يتعاون أيضًا مع مجموعة – في حالته ، عصابة راكبي الدراجات النارية الخيالية The Amnesiacs ، والتي تتكون من قدامى المحاربين في حرب الخليج المصابين بفقدان الذاكرة. الأعضاء “يساعدون” نيلسون في إنشاء أعمال تعيد بناء ذكرياتهم ، كما هو الحال في ضريح فقدان الذاكرة – وهو تركيب مكاني كبير تم الحصول عليه لمجموعة Moderna Museet بتمويل من Friends of Moderna Museet ، كهدية للذكرى الخمسين.

بول مكارثي
في أعمال الفيديو القائمة على الأداء ، يصور بول مكارثي (مواليد 1945 ، ويعيش في لوس أنجلوس) شخصيات أبوية مهددة ومثيرة للشفقة. رأس دمية على شكل ألفريد إي نيومان أو قرصان ساخر دموي ، في نوع من عالم ديزني الذي أصبح فاشلاً. كان تعاون Magnus af Petersens مع Paul McCarthy فيما يتعلق بمعرضه الاستعادي في Moderna Museet في عام 2006 أحد الأحداث التي ألهمت مفهوم Eclipse.