يشمل تاريخ الرسم الشرقي مجموعة واسعة من التأثيرات من مختلف الثقافات والأديان. تتوازى تطورات اللوحة الشرقية تاريخيا مع تلك التي كانت في الرسم الغربي ، بشكل عام قبل بضعة قرون. كان للفن الأفريقي ، والفن اليهودي ، والفن الإسلامي ، والفن الهندي ، والفن الصيني ، والفن الكوري ، والفن الياباني تأثير كبير على الفن الغربي ، والعكس بالعكس.

اللوحة الصينية هي واحدة من أقدم التقاليد الفنية المستمرة في العالم. لم تكن اللوحات الأولى تمثيلية ولكنها زخرفية ؛ أنها تتكون من أنماط أو تصاميم بدلا من الصور. تم طلاء الفخار المبكر باللوالب أو الخطوط المتعرجة أو النقاط أو الحيوانات. خلال فترة الدول المتحاربة (403 – 221 ق.م) ، بدأ الفنانون يمثلون العالم من حولهم. اللوحة اليابانية هي واحدة من أقدم الفنون اليابانية وأكثرها دقة ، وتضم مجموعة واسعة من الأنواع والأشكال. تاريخ اللوحة اليابانية هو تاريخ طويل من التوليف والتنافس بين الجماليات اليابانية الأصلية والتكيف مع الأفكار المستوردة. بدأت الرسم الكوري ، كشكل مستقل ، حوالي عام 108 قبل الميلاد ، حول سقوط Gojoseon ، مما يجعلها واحدة من الأقدم في العالم. تطور العمل الفني لتلك الفترة الزمنية إلى الأساليب المختلفة التي ميزت فترة الممالك الثلاث في كوريا ، وأبرزها اللوحات واللوحات الجدارية التي تزين مقابر الملوك في جوجوريو. خلال فترة الممالك الثلاث وعبر سلالة مملكة كوريو ، اتسمت اللوحة الكورية في المقام الأول بمزيج من المناظر الطبيعية على الطراز الكوري ، وميزات الوجه ، والموضوعات التي تركز على البوذيين ، والتأكيد على الملاحظة السماوية التي سهّلت التطور السريع لعلم الفلك الكوري.

لوحة شرق آسيا
تتمتع الصين واليابان وكوريا بتقاليد قوية في الرسم ، وهي أيضا مرتبطة بشكل كبير بفن الخط والطباعة (لدرجة أنه ينظر إليه عادة على أنه رسم). تتميز اللوحة التقليدية في الشرق الأقصى بالتقنيات القائمة على المياه ، وأقل واقعية ، وموضوعات “أنيقة” ومنسقة ، ونهج بياني للتصوير ، وأهمية الفضاء الأبيض (أو الفضاء السلبي) وتفضيل للمناظر الطبيعية (بدلاً من الشكل البشري) موضوع. وبخلاف الحبر واللون على لفائف الحرير أو الورق ، كان الذهب على الطلاء أيضًا وسيطًا شائعًا في الأعمال الفنية الشرق آسيوية المرسومة. على الرغم من أن الحرير كان وسيلة مكلفة إلى حد ما للطلاء عليها في الماضي ، فإن اختراع الورق خلال القرن الأول الميلادي من قبل قاضي محكمة هان كان كاي لون لم يقدم سوى وسيلة رخيصة وواسعة الانتشار للكتابة ، ولكن أيضا وسيلة رخيصة وواسعة الانتشار للرسم (مما يجعلها متاحة بشكل أكبر للجمهور).

لعبت إيديولوجيات الكونفوشيوسية والطاوية والبوذية أدوارًا مهمة في فن شرق آسيا. كان الرسامون في العصور الوسطى من سونغ ، مثل لين تينغجوي ولوهان لاوندينغ (في معرض سميثسونيان فرير للفنون) في القرن الثاني عشر ، أمثلة ممتازة للأفكار البوذية المندمجة في الأعمال الفنية الصينية الكلاسيكية. في الرسم الأخير على الحرير (الصورة والوصف الوارد في الرابط) ، صورت البوذية اللوهجة ذات الرأس الصليبي في بيئة عملية لغسيل الملابس بواسطة النهر. ومع ذلك ، فإن اللوحة نفسها مذهلة بصريًا ، مع تصوير Luohan بتفاصيل غنية وألوان مشرقة غير شفافة على النقيض من بيئة حرجية ضبابية بنية اللون. أيضا ، يحيط بها قمم الأشجار في الضباب يحوم ، وتوفير “الفضاء السلبي” المشتركة المذكورة أعلاه في الفن في شرق آسيا.

في Japonisme ، في أواخر القرن التاسع عشر بعد الانطباعيين مثل فان جوخ و Henri de Toulouse-Lautrec ، و tonalists مثل James McNeill Whistler ، أعجبوا بفناني Ukiyo-e اليابانيون في بداية القرن التاسع عشر مثل Hokusai (1760–1849) و Hiroshige (1797- 1858) وتأثرت بها.

اللوحة الصينية
يرجع تاريخ أقدم أمثلة من الأعمال الفنية المرسومة الصينية إلى فترة الدول المتحاربة (481 – 221 قبل الميلاد) ، مع لوحات على حوائط الحرير أو المقابر على الصخور أو الطوب أو الحجر. كانوا في كثير من الأحيان في شكل منمق تبسيطي وفي أنماط هندسية بدائية أكثر أو أقل. فهم يصورون في كثير من الأحيان مخلوقات أسطورية أو مشاهد محلية أو مشاهد عمالية أو مشاهد فخمة مليئة بالمسؤولين في المحكمة. لم يكن العمل الفني خلال هذه الفترة وما تلاها من أسرة تشين (221 – 207 ق.م) وأسرة هان (202 ق.م – 220 م) كوسيلة في حد ذاتها أو للتعبير الشخصي الأعلى ؛ تم إنشاء الأعمال الفنية إلى حد ما لترمز وتكريم الطقوس الجنائزية ، تمثيلات الآلهة الأسطورية أو أرواح الأسلاف ، إلخ. ويمكن العثور على لوحات من الحرير لمسؤولي المحكمة والمشاهد الداخلية خلال عهد أسرة هان ، جنبا إلى جنب مع مشاهد الرجال الذين يطاردون على ظهور الخيل أو يشاركون في استعراض عسكري. كان هناك أيضا الرسم على الأعمال الفنية ثلاثية الأبعاد مثل التماثيل والتماثيل ، مثل الألوان المطلية الأصلية التي تغطي الجندي وتماثيل الخيول لجيش تيراكوتا. خلال المناخ الاجتماعي والثقافي لسلالة جين الشرقية القديمة (316 – 420 م) ومقرها في نانجينغ في الجنوب ، أصبحت اللوحة واحدة من وسائل التسلية الرسمية للمسؤولين البيروقراطيين والأرستقراطيين الذين درسوا الكونفوشيوسية (إلى جانب الموسيقى التي تستخدمها آلة غوتشين ، الكتابة بالخط الوهمي ، وكتابة وتلاوة الشعر). أصبحت اللوحة شكلا شائعا للتعبير عن الذات الفني ، وخلال هذه الفترة تم الحكم على الرسامين في المحكمة أو بين الدوائر الاجتماعية النخبوية من قبل أقرانهم.

تم اعتماد إنشاء لوحة المناظر الطبيعية الصينية الكلاسيكية إلى حد كبير لفنان اسرة جين الشرقية Gu Kaizhi (344 – 406 م) ، أحد أشهر الفنانين في التاريخ الصيني. مثل مشاهد التمرير المطولة لكايجي ، سلالة تانغ (618 – 907 م) رسم الفنانين الصينيين مثل وو داوزي أعمال فنية حية ومفصلة للغاية على أشرطة اليد الأفقية الطويلة (التي كانت تحظى بشعبية كبيرة خلال تانغ) ، مثل شعبه السبعة والسبعين. تميز العمل الفني الذي تم رسمه خلال فترة تانغ بآثار بيئة المناظر الطبيعية المثالية ، مع كمية قليلة من الأشياء ، أو الأشخاص ، أو النشاط ، بالإضافة إلى طبيعة أحادية اللون (مثال: الجداريات لمقبرة بريس ييد في ضريح تشيانلينغ). كان هناك أيضا شخصيات مثل رسام عصر تانج في وقت مبكر Zhan Ziqian ، الذي رسم لوحات المناظر الطبيعية الرائعة التي كانت قبل يومه بكثير في تصوير الواقعية. ومع ذلك ، فإن فن المناظر الطبيعية لم يصل إلى مستوى أعلى من النضج والواقعية بشكل عام حتى فترة الممالك الخمس وعشر ممالك (907 – 960 م). خلال هذا الوقت ، كان هناك رسامون استثنائيون في المناظر الطبيعية مثل دونغ يوان (راجع هذه المقالة للحصول على مثال لعمله الفني) ، وأولئك الذين رسموا صورًا أكثر حيوية وواقعية للمشاهد المحلية ، مثل Gu Hongzhong و Night Revels of Han Xizai.

خلال عهد أسرة سونغ الصينية (960 – 1279 م) ، لم يتم تحسين فن المناظر الطبيعية فحسب ، بل أصبحت صورة اللوحة أكثر تعقيدًا وتطوراً من ذي قبل (على سبيل المثال ، الرجوع إلى الإمبراطور Huizong of Song) ، ووصلت إلى مرحلة نضجها الكلاسيكية خلال اسرة مينغ (1368 – 1644 م). خلال أواخر القرن الثالث عشر والنصف الأول من القرن الرابع عشر ، لم يُسمح للصينيين تحت حكم أسرة يوان التي يسيطر عليها المغول بالدخول إلى مناصب حكومية أعلى (محفوظة للمغول أو المجموعات العرقية الأخرى من آسيا الوسطى) ، وتوقفت الامبراطورية عن في الوقت الحاضر. تحول العديد من الصينيين الذين تعلموا الكونفوشيوسية والذين يفتقرون الآن إلى المهنة إلى فنون الرسم والمسرح بدلاً من ذلك ، حيث أصبحت فترة يوان واحدة من أكثر العصور حيوية ووفرة للأعمال الفنية الصينية. مثال على ذلك سيكون تشيان شوان (1235-1305 م) ، الذي كان مسؤولًا في أسرة سونغ ، ولكن منوطًا بالوطنية ، رفض أن يخدم محكمة يوان وكرس نفسه للرسم. تشمل أمثلة الفن الرائع من هذه الفترة الجداريات الغنية والمفصلة لقصر يونغل ، أو “Dachunyang Longevity Palace” ، عام 1262 ، وهو موقع للتراث العالمي لليونسكو. داخل القصر ، تغطي اللوحات مساحة تزيد عن 1000 متر مربع ، وتمتلك في الغالب مواضيع داوية. خلال فترة أسرة سونغ ، كان الرسامون يتجمعون في النوادي أو الاجتماعات الاجتماعية لمناقشة فنهم أو أعمالهم الفنية الأخرى ، وغالباً ما أدى مدحها إلى الإقناع بالتجارة وبيع الأعمال الفنية الثمينة. ومع ذلك ، كان هناك أيضا العديد من النقاد القاسيين للآخرين من الفن أيضا ، ويظهر الفرق في الأسلوب والذوق بين الرسامين المختلفين. في عام 1088 ميلادي ، كتب عالم الفضاء وعالم الدولة شن كو من العمل الفني لأحد لي تشنغ ، الذي انتقده على النحو التالي:

… ثم كان هناك لي تشينغ ، الذي كان يصور الأجنحة والنزل وسط الجبال ، والمباني ذات الطوابق ، والمعابد ، وما شابه ذلك ، كان يستخدم دائمًا لرسم الحواف كما يراه من الأسفل. كانت فكرته هي أن “المرء يجب أن ينظر إلى الأعلى من الأسفل ، تماماً كما يستطيع رجل يقف على أرض مستوية وينظر إلى أفاريز الباغودا أن يرى العوارض الخشبية والعوارض الخشبية”. هذا كله خطأ. بشكل عام ، فإن الطريقة الصحيحة لرسم المناظر الطبيعية هي رؤية صغيرة من وجهة نظر كبيرة … فقط كما ينظر المرء إلى الجبال الاصطناعية في الحدائق (كما يمشي واحد). إذا طبق المرء (طريقة لي) على لوحة الجبال الحقيقية ، نظرًا إليهم من الأسفل ، يمكن للمرء أن يرى فقط ملفًا شخصيًا واحدًا في كل مرة ، وليس ثروة من منحدراتهم وملفاتهم المتعددة ، ليقولوا شيئًا عن كل ما يجري في الوديان والأودية ، وفي الممرات والفناء مع مساكنهم ومنازلهم. إذا وقفنا إلى الشرق من جبل ، فستكون الأجزاء الغربية على الحدود المتلاشية لمسافة بعيدة ، والعكس صحيح. بالتأكيد هذا لا يمكن أن يسمى اللوحة الناجحة؟ لم يفهم السيد لي مبدأ “رؤية الصغيرة من وجهة نظر كبيرة”. كان من المؤكد أنه كان رائعا في تناقص الأطوال والمسافات بدقة ، ولكن هل ينبغي أن نعلق أهمية على زوايا وأركان المباني؟

على الرغم من أن المستوى العالي من الأسلوب ، والنغمة الغامضة ، والأناقة السيريالية كانت غالباً مفضلة على الواقعية (مثل أسلوب شان شوي) ، بدءاً من سلالة سونغ في العصور الوسطى ، كان هناك العديد من الرسامين الصينيين الذين كانوا يصورون مشاهد الطبيعة التي كانت حقيقية بشكل حقيقي. بعد ذلك سعى الفنانون في عهد أسرة مينغ إلى التركيز على التفاصيل الدقيقة والواقعية على الأشياء في الطبيعة ، خاصة في صور الحيوانات (مثل البطة والبجع والعصافير والنمور وغيرها) بين بقع من الزهور ذات الألوان الزاهية وأغصان الفرشاة. والخشب (مثال جيد على ذلك هو سلالة مينج المجهولة التي تحمل اسم Birds and Plum Blossoms ، التي توجد في معرض Freer لمتحف Smithsonian في واشنطن العاصمة). كان هناك العديد من الفنانين المشهورين من أسرة مينغ. يعتبر تشيو يينغ مثالاً ممتازًا على رسام عصر بارع في عهد مينغ (الشهير حتى في أيامه الخاصة) ، حيث يستخدم في المشاهد المحلية لأعماله الفنية والمشاهد الصاخبة الصاخبة ومشاهد الطبيعة لوديان الأنهار والجبال المنحدرة التي تكتنفها الضباب والغيوم. خلال فترة أسرة مينغ كانت هناك أيضا مدارس فنية مختلفة ومتناظرة مرتبطة بالرسم ، مثل مدرسة وو ومدرسة زهي.

استمرت اللوحة الكلاسيكية الصينية في أوائل عهد أسرة تشينغ الحديثة ، مع لوحات عريضة واقعية للغاية ، كما هو الحال في أواخر عهد أسرة مينغ في أوائل القرن السابع عشر. تمثل صور إمبراطور كانغشي ، إمبراطور يونغ تشنغ ، وإمبراطور تشيان لونغ أمثلة ممتازة على رسم بورتريه صيني واقعي. خلال فترة حكم تشيان لونغ واستمرار القرن التاسع عشر ، كان لأسلوب الرسم الباروكي الأوروبي تأثير ملحوظ على لوحات بورتريه الصينية ، خاصة مع التأثيرات المرئية المرسومة للإضاءة والتظليل. وبالمثل ، كانت لوحات شرق آسيا وغيرها من الأعمال الفنية (مثل الخزف والورنيش) ذات قيمة عالية في أوروبا منذ الاتصال الأولي في القرن السادس عشر.

اللوحة اليابانية
تعتبر اللوحة اليابانية (絵 画) واحدة من أقدم الفنون اليابانية وأكثرها دقة ، وتضم مجموعة واسعة من الأنواع والأنماط. كما هو الحال مع الفنون اليابانية بشكل عام ، تطورت اللوحة اليابانية من خلال تاريخ طويل من التوليف والتنافس بين الجماليات اليابانية الأصلية والتكيف مع الأفكار المستوردة. Ukiyo-e ، أو “صور العالم الطافي” ، هو نوع من المطبوعات الخشبية اليابانية (أو “النقوش الخشبية”) واللوحات التي تم إنتاجها بين القرنين السابع عشر والعشرين ، وتتميز بزخارف من المناظر الطبيعية والمسرح ومناطق الملاذ. هذا هو النوع الفني الرئيسي للطباعة الخشبية اليابانية. كان للطباعة اليابانية ، خاصة من فترة إيدو ، تأثير هائل على الرسم الفرنسي خلال القرن التاسع عشر.

اللوحة الكورية
بدأت الرسم الكوري ، كشكل مستقل ، حوالي عام 108 قبل الميلاد ، حول سقوط Gojoseon ، مما يجعلها واحدة من الأقدم في العالم. تطور العمل الفني لتلك الفترة الزمنية إلى الأساليب المختلفة التي ميزت فترة الممالك الثلاث في كوريا ، وأبرزها اللوحات واللوحات الجدارية التي تزين مقابر الملوك في جوجوريو. خلال فترة الممالك الثلاث وعبر سلالة مملكة كوريو ، اتسمت اللوحة الكورية في المقام الأول بمزيج من المناظر الطبيعية على الطراز الكوري ، وميزات الوجه ، والموضوعات التي تركز على البوذيين ، والتأكيد على الملاحظة السماوية التي سهّلت التطور السريع لعلم الفلك الكوري. لم يكن حتى سلالة جوسون أن المواضيع الكونفوشيوسية بدأت تتجذر في اللوحات الكورية ، المستخدمة في انسجام مع الجوانب الأصلية.

وقد تميز تاريخ اللوحة الكورية باستخدام أعمال أحادية اللون للفرشاة السوداء ، غالبًا على ورق التوت أو الحرير. هذا النمط واضح في “Min-Hwa” ، أو الفنون الشعبية الملونة ، ولوحات المقابر ، وفنون الطقوس والمهرجان ، وكلاهما يتضمن استخدامًا واسعًا للألوان.

اللوحة الجنوب آسيوية

اللوحة الهندية
تدور اللوحات الهندية تاريخياً حول الآلهة والملوك الدينيين. الفن الهندي هو مصطلح جماعي لعدة مدارس فنية مختلفة موجودة في شبه القارة الهندية. تباينت اللوحات من لوحات جصية كبيرة من Ajanta إلى لوحات مصغرة مغولية معقدة للأعمال المعدنية المزخرفة من مدرسة Tanjore. تتأثر اللوحات من Gandhar – Taxila بالأعمال الفارسية في الغرب. تم تطوير النمط الشرقي للرسم في الغالب حول مدرسة الفن في نالاندا. معظم الأعمال مستوحاة من مشاهد مختلفة من الأساطير الهندية.

التاريخ
كانت أولى اللوحات الهندية هي اللوحات الصخرية لأزمنة ما قبل التاريخ ، والنقوش الصخرية الموجودة في أماكن مثل ملاجئ الصخور في بيمبيتتكا ، وبعضها أقدم من 5500 قبل الميلاد. استمرت هذه الأعمال ، وبعد عدة آلاف من السنين ، في القرن السابع ، كانت الأعمدة المنحوتة في أجانتا ، ولاية ماهاراشترا تمثل مثالًا رائعًا للرسومات الهندية ، وكانت الألوان ، ومعظمها من الظلال الحمراء والبرتقالية ، مشتقة من المعادن.

اجانتا كهوف في ولاية ماهاراشترا ، الهند هي آثار كهوف صخرية تعود إلى القرن الثاني قبل الميلاد وتحتوي على لوحات ونحت تعتبر بمثابة روائع لكل من الفن الديني البوذي والفن التصويري العالمي.

لوحة مادهوباني
لوحة Madhubani هي نمط من الرسم الهندي ، تمارس في منطقة Mithila ولاية بيهار ، الهند. وتكتنف أصول لوحة Madhubani في العصور القديمة.

لوحة راجبوت
رسمت لوحة راجبوت ، وهي أسلوب من الرسم الهندي ، وازدهرت خلال القرن الثامن عشر في البلاط الملكي في راجبوتانا بالهند. تطورت كل مملكة Rajput أسلوب متميز ، ولكن مع بعض السمات المشتركة. تصور لوحات راجبوت عددًا من الموضوعات ، أحداث ملاحم مثل Ramayana و Mahabharata ، حياة كريشنا ، مناظر طبيعية جميلة ، والبشر. كانت المنمنمات هي الوسيط المفضل للوحة راجبوت ، لكن العديد من المخطوطات تحتوي أيضاً على لوحات راجبوت ، كما تم عمل لوحات على جدران القصور ، والغرف الداخلية للحصون ، والحصى ، ولا سيما هافيليس شيخاويت.

تم استخلاص الألوان المستخرجة من بعض المعادن ، والمصادر النباتية ، وقذائف المحارة ، وحتى باستخدام الأحجار الكريمة ، تم استخدام الذهب والفضة. كان إعداد الألوان المرغوبة عملية طويلة ، تستغرق أحيانًا أسابيع. فرش المستخدمة كانت جيدة جدا.

اللوحة المغولية
الرسم المغولي هو أسلوب معين في الرسم الهندي ، يقتصر عادة على الرسوم التوضيحية على الكتاب ويتم في المنمنمات ، والتي ظهرت وتطورت وشكلت خلال فترة الإمبراطورية المغولية القرن السادس عشر والتاسع عشر.

اللوحة Tanjore
لوحة Tanjore هي شكل مهم من أشكال الرسم الكلاسيكي في جنوب الهند الأصلي لبلدة Tanjore في ولاية Tamil Nadu. يرجع تاريخ الفن إلى أوائل القرن التاسع ، وهي الفترة التي سيطر عليها حكام تشولا ، الذين شجعوا الفن والأدب. تشتهر هذه اللوحات بأناقتها وألوانها الغنية والاهتمام بالتفاصيل. المواضيع لمعظم هذه اللوحات هي الآلهة الهندوسية والآلهة والمشاهد من الأساطير الهندوسية. في العصر الحديث ، أصبحت هذه اللوحات سعى كثيرا بعد التذكار خلال مناسبات الأعياد في جنوب الهند.

تنطوي عملية صنع لوحة Tanjore على العديد من المراحل. تتضمن المرحلة الأولى عمل رسم أولي للصورة على القاعدة. تتكون القاعدة من قطعة قماش ملصوقة على قاعدة خشبية. ثم يتم خلط مسحوق الطباشير أو أكسيد الزنك مع مادة لاصقة قابلة للذوبان في الماء ويتم تطبيقها على القاعدة. لجعل القاعدة أكثر سلاسة ، يستخدم أحيانا كشط معتدل. بعد الانتهاء من الرسم ، تتم زخرفة المجوهرات والثياب في الصورة بأحجار شبه كريمة. وتستخدم الأربطة أو الخيوط أيضا لتزيين المجوهرات. علاوة على ذلك ، يتم لصق رقائق الذهب. وأخيراً ، تستخدم الأصباغ لإضافة ألوان إلى الأشكال الموجودة في اللوحات.

مدرسة مدراس
خلال فترة الحكم البريطاني في الهند ، وجد التاج أن مدراس لديها بعض من أكثر العقول الفنية الفكرية موهوبة في العالم. كما أن البريطانيين قاموا أيضا بتأسيس مستوطنة ضخمة في مدراس وحولها ، تم اختيار جورج تاون لتأسيس معهد من شأنه تلبية التوقعات الفنية للعائلة المالكة في لندن. هذا أصبح يعرف باسم مدرسة مدراس. في البداية تم توظيف الفنانين التقليديين لإنتاج أنواع رائعة من الأثاث ، والأعمال المعدنية ، والتحف وأرسلت أعمالهم إلى القصور الملكية للملكة.

على عكس مدرسة البنغال حيث “النسخ” هو معيار التدريس ، تزدهر مدرسة مدراس على “خلق” أساليب وحجج واتجاهات جديدة.

مدرسة البنغال
كانت مدرسة البنغال الفنية فنًا مؤثرًا في الفن ازدهر في الهند خلال عهد راج البريطاني في أوائل القرن العشرين. كان مرتبطا بالقومية الهندية ، ولكن تم الترويج له ودعمه من قبل العديد من مدراء الفنون البريطانية.

نشأت مدرسة البنغال كحركة طليعية وحركة قومية تتفاعل مع أساليب الفن الأكاديمي التي روجت في الهند ، سواء من قبل الفنانين الهنود مثل راجا رافي فارما وفي مدارس الفن البريطاني. بعد التأثير الواسع للأفكار الروحية الهندية في الغرب ، حاول مدرس الفن البريطاني إرنست بينفيلد هافيل إصلاح طرق التدريس في كلية كلكتا للفنون من خلال تشجيع الطلاب على تقليد المنمنمات المغولية. وتسبب هذا في جدل كبير ، أدى إلى إضراب الطلاب والشكاوى من الصحافة المحلية ، بما في ذلك من القوميين الذين اعتبروه خطوة رجعية. كان هافل مدعومًا من قبل الفنان أبينيندرانات طاغور ، ابن شقيق الشاعر رابيندراناث طاغور. رسمت طاغور عددًا من الأعمال التي تأثرت بالفن المغولي ، وهو أسلوب اعتقد به وهافل أنهما معبران عن الصفات الروحية المتميزة للهند ، في مقابل “المادية” للغرب. رسمت بهارات ماتا (أم الهند) ، أشهر لوحة في طاغور ، امرأة شابة ، مصورة بأربعة أذرع بطريقة الآلهة الهندوسية ، تحمل أشياء رمزية لطموحات الهند الوطنية. في وقت لاحق حاول طاغور تطوير روابط مع فنانين يابانيين كجزء من طموح لبناء نموذج فني شامل.

تراجع تأثير مدرسة البنغال في الهند مع انتشار الأفكار الحداثية في 1920s. في فترة ما بعد الاستقلال ، أظهر الفنانون الهنود قدرا أكبر من القدرة على التكيف عندما اقترضوا بحرية من الأساليب الأوروبية ودمجوها بحرية مع الزخارف الهندية إلى أشكال جديدة من الفن. في حين أن الفنانين مثل فرانسيس نيوتن سوزا و Tyeb Mehta كانوا أكثر غربية في نهجهم ، كان هناك آخرون مثل Ganesh Pyne و Maqbool Fida Husain الذين طوروا أساليب عمل محلية. واليوم بعد عملية تحرير السوق في الهند ، يواجه الفنانون مزيدًا من الانفتاح على المشهد الفني الدولي الذي يساعدهم في الظهور بأشكال فنية جديدة لم يسبق لها مثيل في الهند. كان Jitish Kallat قد اشتهر في أواخر التسعينات بلوحاته الحديثة والتي لا تتعدى نطاق التعريف العام. ومع ذلك ، في الوقت الذي يحاول فيه الفنانون في الهند في القرن الجديد أساليب ومظاهر ومجازات جديدة ، لم يكن من الممكن الحصول على مثل هذا الاعتراف السريع دون مساعدة بيوت الأعمال التي تدخل الآن مجال الفن كما لم يسبق لها مثيل. .

لوحة هندية حديثة
كانت أمريتا شير-جيل رسّامة هندية ، تُعرف أحيانًا باسم فريدا كاهو في الهند ، وتعتبر اليوم رسامة امرأة مهمة في الهند في القرن العشرين ، والتي يقف إرثها على قدم المساواة مع رسامة سادة عصر البنغال. وهي أيضا الرسام الأكثر غالية في الهند.

وهي اليوم من بين تسعة أساتذة ، تم إعلان أعمالهم ككنوز فنية من قبل هيئة المسح الأثري للهند ، في عامي 1976 و 1979 ، ويتم الآن عرض أكثر من 100 من لوحاتها في المعرض الوطني للفن الحديث في نيودلهي.

خلال الحقبة الاستعمارية ، بدأت التأثيرات الغربية تؤثر على الفن الهندي. طور بعض الفنانين أسلوبًا استخدم أفكارًا غربية عن التأليف والمنظور والواقعية لتوضيح المواضيع الهندية. آخرون ، مثل جاميني روي ، استلهموا بوعي من الفن الشعبي.

بحلول وقت الاستقلال في عام 1947 ، قدمت العديد من المدارس الفنية في الهند إمكانية الوصول إلى التقنيات والأفكار الحديثة. تم إنشاء صالات لعرض هؤلاء الفنانين. عادةً ما يُظهر الفن الهندي الحديث تأثير الأنماط الغربية ، ولكنه غالبًا ما يكون مستوحى من الموضوعات والصور الهندية. بدأ الفنانون الرئيسيون يكتسبون اعترافًا دوليًا ، في البداية بين المغتربين الهنود ، ولكن أيضًا بين الجماهير غير الهندية.

كان الهدف من مجموعة الفنانين التقدميين ، التي أنشئت بعد وقت قصير من استقلال الهند في عام 1947 ، إنشاء طرق جديدة للتعبير عن الهند في حقبة ما بعد الاستعمار. كان المؤسسون ستة من الفنانين البارزين – KH Ara ، و SK Bakre ، و HA Gade ، و MF Husain ، و SH Raza ، و FN Souza ، على الرغم من أنه تم حل المجموعة في عام 1956 ، فقد كان له تأثير عميق في تغيير لغة الفن الهندي. تقريبا جميع فناني الهند الرئيسيين في 1950s كانوا مرتبطين بالمجموعة. بعض هؤلاء المعروفين اليوم هم Bal Chabda و Manishi Dey و Mukul Dey و VS Gaitonde و Ram Kumar و Tyeb Mehta و Akbar Padamsee. ومن بين الرسامين المشهورين الآخرين مثل جهار داسجوبتا ، وبروكاش كارماكار ، وجون ويلكنز ، وناريانان راماشاندران ، وبيجون تشودهوروري ثقافة الفن في الهند. لقد أصبحوا رموز الفن الهندي الحديث. وقد أشار مؤرخو الفن مثل البروفسور راي أناند كريشنا أيضًا إلى أعمال الفنانين المعاصرين التي تعكس روح الهند. وقد أشادت Geeta Vadhera في ترجمة المواضيع الروحية المعقدة الهندية على قماش مثل الفكر الصوفي والأوبنشاد و Bhagwad Geeta.

حصل الفن الهندي على دفعة مع التحرير الاقتصادي للبلاد منذ أوائل 1990s. بدأ الفنانون من مختلف المجالات في جلب أنماط عمل متنوعة. في الهند ما بعد التحرير ، رسَّخ العديد من الفنانين أنفسهم في سوق الفن العالمي مثل الرسام المجرد ناتفار بهافسار ، والفنان التشكيلي ديفاجيوتي راي والنحات أنيش كابور الذي اكتسبت أعماله الفنية العملاقة ما بعد المخطبة الانتباه لحجمها الكبير. كما تم افتتاح العديد من المنازل الفنية والمعارض في الولايات المتحدة الأمريكية وأوروبا لعرض الأعمال الفنية الهندية.

اللوحة الفلبينية
يمكن اعتبار الرسم الفلبيني ككل بمثابة دمج للعديد من التأثيرات الثقافية ، على الرغم من أنه يميل إلى أن يكون أكثر غربية في شكله الحالي مع الجذور الشرقية.

يمكن العثور على اللوحة الفلبينية المبكرة في زلة حمراء (الطين مختلطة مع الماء) تصاميم منمقة على الفخار الطقسي في الفلبين مثل Manunggul Jar المشهود. تم العثور على أدلة على صنع الفخار الفلبيني في وقت مبكر من 6000 قبل الميلاد في كهف سانجا-سانجا ، سولو وكهف Laurente ، كاجايان. وقد ثبت أنه بحلول عام 5000 قبل الميلاد ، كان يمارس صناعة الفخار في جميع أنحاء البلاد. بدأ الفلبينيون الأوائل بصناعة الفخار قبل جيرانهم الكمبوديين وفي نفس الوقت تقريبا مع التايلانديين كجزء من ما يبدو أنه تطور واسع النطاق في العصر الجليدي لتكنولوجيا الفخار. تتجلى أدلة أخرى للرسم في تقليد الوشم لدى الفلبينيين الأوائل ، الذين أشار إليهم المستكشف البرتغالي باسم Pintados أو “الأشخاص الملونين” في Visayas. تصميمات مختلفة تشير إلى النباتات والحيوانات مع الهيئات السماوية تزين أجسادهم في تصبغ ملون مختلف. ربما ، بعض من الرسم الأكثر تفصيلاً الذي قام به الفلبينيون الأوائل الذين بقوا حتى يومنا هذا يمكن أن يتجلى بين الفنون والعمارة في Maranao المشهورون بـ Nāga Dragons و Sarimanok المنحوت والمرسوم في Panolong الجميل من Torogan أو بيت الملك.

بدأ الفلبينيون في إنشاء لوحات في التقليد الأوروبي خلال الفترة الإسبانية من القرن السابع عشر. أقرب هذه اللوحات كانت لوحات جدارية للكنيسة ، وصور دينية من مصادر كتابية ، بالإضافة إلى نقوش ومنحوتات وطباعة حجرية تتميز بأيقونات مسيحية ونبل أوروبي. أنتجت معظم اللوحات والمنحوتات بين القرن التاسع عشر والقرن العشرين مزيجًا من الأعمال الفنية الدينية والسياسية والمناظر الطبيعية ، مع صفات من الحلاوة والظلام والضوء. ارتبط الرسامون الحداثيون الأوائل مثل Damián Domingo باللوحات الدينية والعلمانية. أظهر فن خوان لونا وفليكس هيدالجو اتجاهاً للبيان السياسي. استخدم الفنان ، مثل فرناندو أمورسولو ، ما بعد الحداثة لإنتاج لوحات تشرح الثقافة والطبيعة والوئام في الفلبين. في حين استخدم فنانون آخرون مثل فرناندو زوبل حقائق وتجريدًا في عمله.

لوحة إسلامية
يحظر تصوير البشر أو الحيوانات أو أي مواد رمزية أخرى داخل الإسلام لمنع المؤمنين من الوثنية ، لذلك لا توجد تقاليد (أو منحوتات) ذات دوافع دينية داخل الثقافة الإسلامية. تم تقليل النشاط التصويري إلى أرابيسك ، وبشكل رئيسي مجردة ، مع تكوين هندسي أو أنماط زهرية ونباتية. ترتبط بقوة العمارة والخط ، يمكن أن ينظر إليها على نطاق واسع كما تستخدم لطلاء البلاط في المساجد أو في إضاءات حول نص القرآن وغيرها من الكتب. في الواقع ، الفن التجريدي ليس اختراع للفن الحديث ولكنه موجود في ثقافات ما قبل الكلاسيكية ، والبربرية وغير الغربية قبل عدة قرون ، وهو في الأساس فن زخرفي أو تطبيق. تأثر الرسام البارز MC Escher بهذا الفن الهندسي القائم على الأنماط. أدخلت الفن الحديث (أوبري بيردسلي والمهندس المعماري أنطونيو غاودي) أنماط زهرية مجردة في الفن الغربي.

لاحظ أنه على الرغم من حظر التصوير التصويري ، فإن بعض البلدان الإسلامية كانت تزرع تقاليدًا غنية في الرسم ، وإن لم يكن ذلك في حد ذاتها ، ولكن كدليل على الكلمة المكتوبة. الفن الإيراني أو الفارسي ، المعروف على نطاق واسع بالمصغرة الفارسية ، يركز على توضيح الأعمال الأدبية أو الرومانسية. تجنب الرسامون الفارسيون عن عمد استخدام التظليل والمنظور ، رغم أنهم على دراية به في تاريخهم قبل الإسلام ، من أجل الالتزام بقاعدة عدم خلق أي وهم واقعي للعالم الحقيقي. لم يكن هدفهم تصوير العالم كما هو ، بل خلق صور لعالم مثالي من الجمال الخالق والنظام المثالي.

في أيامنا هذه ، تتبع لوحات طلاب الفن أو الفنانين المحترفين في البلدان العربية وغير العربية الإسلامية نفس اتجاهات الفن الثقافي الغربي.

إيران
المؤرخ الشرقي باسيل جراي يعتقد أن “إيران قدمت فنًا فريدًا من نوعه للعالم وهو ممتاز من نوعه”. تعرض الكهوف في مقاطعة لورستان الإيرانية صورًا مرسومة للحيوانات ومشاهد الصيد. بعض مثل تلك الموجودة في مقاطعة فارس وسيالك ما لا يقل عن 5000 سنة. يعتقد أن اللوحة في إيران قد وصلت إلى ذروتها خلال حقبة تيمورلنك ، عندما ولدت أساتذة متميزين مثل كمال الدين بهزاد أسلوبًا جديدًا للرسم.

لوحات الفترة القاجارية هي مزيج من التأثيرات الأوروبية والمدارس الصفوية المصغرة للرسم مثل تلك التي قدمها رضا عباسي والأعمال الكلاسيكية لميهر علي. دفعت درجة الماجستير مثل كمال-إيل-ملك إلى الأمام التأثير الأوروبي في إيران. كان ذلك خلال عصر قاجار عندما ظهرت “لوحة بيت القهوة”. كانت مواضيع هذا النمط غالباً دينية بطبيعتها تصور مشاهد من ملاحم شيعية وما شابه.