الفن البالي هو فن من أصل هندوسي-جافاني نما من عمل حرفيين من مملكة ماجاباهيت ، مع توسعهم إلى بالي في أواخر القرن الرابع عشر. من القرن السادس عشر حتى القرن العشرين ، كانت قرية كاماسان ، Klungkung (شرق بالي) ، مركز الفن الكلاسيكي في بالي. خلال الجزء الأول من القرن العشرين ، تطورت أنواع جديدة من الفن البالي. منذ أواخر القرن العشرين ، أقامت أوبود والقرى المجاورة لها سمعة كمركز للفن البالي.

ومن المعروف أن أوبود وباتوان يشتهران بلوحاتهما ، ماس لمنحوتاتهما الخشبية ، وسيلك للذهب والفضة ، وباتوبولان لمنحوتاتهم الحجرية. يصف Covarrubias الفن الباليني بأنه “… فن شعبي متطور للغاية ، على الرغم من أن الباروك يمزج بين الحيوية الفلاحية مع تنقيح الكلاسيكية من جاوة الهندوسية ، ولكن خالية من التحامل المحافظ ومع حيوية جديدة أطلقتها الوفرة من روح شيطانية من البدائية الاستوائية “. أشار إيزمان بشكل صحيح إلى أن الفن البالينيزي محفور في الواقع ، ورسم ، ونسج ، وأعد إلى أشياء مخصصة للاستخدام اليومي بدلا من كونها أداة فنية.

التاريخ الحديث
قبل العشرينيات من القرن العشرين ، كانت اللوحات التقليدية البالية مقصورة على ما يعرف الآن باسم أسلوب Kamasan أو Wayang. إنه سرد مرئي للملاحم بين الهندوس والجاوي: رامايانا وماهابهاراتا ، بالإضافة إلى عدد من قصص السكان الأصليين ، مثل رواية بانجي.

رسمت هذه الرسومات ثنائية الأبعاد تقليديا على القماش أو ورقة النباح (ورقة Ulantaga) مع الأصباغ الطبيعية. ويقتصر التلوين على الأصباغ الطبيعية المتاحة: الأحمر ، المغرة ، الأسود ، إلخ. بالإضافة إلى ذلك ، يجب أن يتبع تقديم الأشكال والزخارف قواعد محددة بدقة ، حيث يتم إنتاجها في الغالب للمواد الدينية وشنق المعبد. يتم إنتاج هذه اللوحات بشكل تعاوني ، وبالتالي معظمها مجهول.

كانت هناك العديد من التجارب مع أنواع جديدة من الفن من قبل البالية من أواخر القرن التاسع عشر فصاعدا. تم تحفيز هذه التجارب عن طريق الوصول إلى مواد جديدة (الورق الغربي والأحبار المستوردة والطلاء) ، وبحلول الثلاثينيات ، حفزت الأسواق السياحية الجديدة العديد من الشبان الباليين على المشاركة في أنواع جديدة من الفن.

في عشرينيات القرن العشرين ، مع وصول العديد من الفنانين الغربيين ، أصبحت بالي جيبًا فنانًا (كما كانت تاهيتي لبول غوغان) للفنانين الطليعيين مثل والتر سبايز (الألمانية) ، ورودولف بونيه (الهولندية) ، وأدريان جان لومور ( البلجيكي) ، آري سميت (الهولندية) ودونالد فريند (الأسترالي) في السنوات الأخيرة. كان لمعظم هؤلاء الفنانين الغربيين تأثير ضئيل جدا على الباليين حتى فترة ما بعد الحرب العالمية الثانية ، على الرغم من أن بعض الحسابات تفرط في التأكيد على الوجود الغربي على حساب الاعتراف بالإبداع البالي.

في أول زيارة له إلى بالي في عام 1930 ، أشار الفنان المكسيكي ميغيل كوفاروبياس إلى أن اللوحات المحلية تخدم في المقام الأول وظائف دينية أو احتفالية. كانت تستخدم كمواد زخرفية للتزيين في المعابد والمنازل الهامة ، أو كالتقاويم لتحديد الأبراج للأطفال. ومع ذلك ، وجد في غضون بضع سنوات أن صورة الفن قد مرت بـ “ثورة تحرير”. حيث تم تقييدهم بشدة مرة واحدة من قبل الموضوع (أساسا من الأساطير الهندوسية) والأسلوب ، بدأ الفنانون البالية لإنتاج مشاهد من الحياة الريفية. هؤلاء الرسامين قد طوروا شخصية متزايدة.

بلغت فترة الإبداع هذه ذروتها في أواخر ثلاثينيات القرن العشرين. شجع الزوار المشهورين ، بما في ذلك شارلي شابلن وعلماء الأنثروبولوجيا غريغوري بيتسون ومارغريت ميد ، المواطنين المحليين الموهوبين على إنشاء أعمال عالية الجودة. خلال فترة إقامتهم في بالي في منتصف ثلاثينيات القرن العشرين ، جمع بيتسون ومايد أكثر من 2000 لوحة ، معظمها من قرية باتوان ، ولكن أيضًا من قرية سانور الساحلية. بين الفنانين الغربيين ، وغالبا ما يعزى سبايز و Bonnet لتحديث اللوحات البالية التقليدية. من 1950s فصاعدا أدرج الفنانين Baliese جوانب من منظور وتشريح من هؤلاء الفنانين. والأهم من ذلك ، أنهم تصرفوا كعوامل للتغيير عن طريق تشجيع التجارب ، وشجعوا الخروج عن التقاليد. كانت النتيجة انفجار التعبير الفردي الذي زاد معدل التغير في الفن الباليني. تم دمج أساليب الثلاثينيات في الخمسينات من القرن العشرين ، وفي السنوات الأخيرة تم إعطاؤهم عنوانا مربكا “للوحة البالية التقليدية الحديثة”. أصبح رسامو أوبود ، رغم أنهم أقلية بين الفنانين الذين عملوا في الثلاثينات ، ممثلين للطراز الجديد بفضل وجود الفنان الكبير غوستي نيومان لمباد في تلك القرية ، ورعاية الحكام التقليديين في أوبود. تضمنت النقاط الرئيسية في Ubud Style التركيز على تصوير الحياة اليومية في بالي والمسرحية. تغيير راعي هؤلاء الفنانين من المعابد الدينية والبيوت الملكية إلى السياح / الجامعين الغربيين ؛ تحويل تركيبة الصورة من متعددة إلى التركيز الفردي. على الرغم من اعتماد تقاليد الرسم الغربية الحديثة من قبل العديد من الرسامين الباليين والإندونيسيين ، فإن “لوحة بالي التقليدية الحديثة” لا تزال مزدهرة وتستمر من قبل أحفاد / طلاب فناني عصر ما قبل الحرب الحداثية (1928-1942). وتشمل مدارس الرسم البالي التقليدي الحديث: مدارس أوبود ، وباتوان ، وسانور ، والفنان الشاب ، ومدرسة كيليكي للرسم.

لوحة تقليدية حديثة
انبثقت أعمال تحديث الفن البالي قبل الحرب من ثلاث قرى: أوبود ، حيث استقر الجواسيس ، وسانور على الساحل الجنوبي ، وباتوان ، وهي مركز تقليدي للموسيقيين والراقصين والنحاتين والرسامين. رسم الفنانين في الغالب على الورق ، على الرغم من استخدام قماش واللوحة. في كثير من الأحيان ، تضمنت الأعمال مجموعات متكررة من أوراق الشجر أو الأمواج منمنمة التي تنقل إحساسًا بالقوام ، حتى المنظور. تطورت كل قرية بأسلوب خاص بها. استخدم فنانو أوبود المزيد من المساحات المفتوحة وشددوا على الشخصيات البشرية. غالبًا ما تضمنت لوحات سانور مشاهدًا وحيوانات مثيرة ، وكان العمل من باتوان أقل غنىً بالألوان لكنه كان أكثر انشغالًا.

لوحة أوبود
كانت أوبود مركزًا فنيًا لعدة قرون ، حيث كانت المنازل والمعابد الملكية المحيطة بها هي الرعاة الرئيسيين. قبل العشرينات من القرن العشرين ، سيطرت لوحات نمط الحياة التقليدية على مواضيع الموضوع ، على الرغم من أن جان كوتو يعتقد أن اللوحات ذات الطابع الديني والعلماني كانت موجودة منذ فترة طويلة في شكل تعبير عن وحدة الأضداد (روابينيندا في نظام الاعتقاد البالي).

تحت رعاية عائلة أوبود الملكية ، وخاصة تجوكوردا جيدي أجونج سوكاواتي ، ومع رودولف بونيه كمستشار رئيسي ، تأسست نقابة بيتاماها الفنية في عام 1936 كطريقة لإضفاء الطابع المهني على الرسم البالي. كانت مهمتها الحفاظ على جودة الفن البالي في اندفاع السياحة إلى بالي. واجتمع أعضاء مجلس الإدارة في بيتاماها بانتظام لاختيار اللوحات المقدمة من أعضائها ، وإجراء معارض في جميع أنحاء إندونيسيا وخارجها. كان بيتاماها نشطا حتى بداية الحرب العالمية الثانية في عام 1942. تحولت الموضوعات المهمة من السرد الديني إلى الحياة اليومية البالية. جاء فنانو أوبود الذين كانوا أعضاء في Pitamaha من أوبود والقرى المحيطة بها. Pengosekan ، Peliatan و Tebasaya. وكان من بينهم: إيدا باغوس ماكمبنغ من قرية تيبسيا وأبنائه الثلاثة إيدا باغوس ويري وإيدا باغوس ميد وإيدا باغوس بيلاوا. Tjokorda Oka من المنزل الملكي في Peliatan. Anak Agung Gde Sobrat، Anak Agung Gde Meregeg، I Dewa Putu Bedil، I Dewa Nyoman Leper، Anak Agung Dana of Padangtegal؛ I Gusti Ketut Kobot، I Gusti Made Baret، I Wayan Gedot، Dewa Putu Mokoh of Pengosekan؛ وأنا غوستي نيومان لمباد. كما شارك فنانون من مناطق أخرى ، بما في ذلك Pan Seken من Kamasan ، و I Gusti Made Deblog من Denpasar ، وبعض فناني Sanur.

وقد تم Pitamaha من قبل أحفاد الفنانين أوبود ، والآن أصبحت تعرف مع فترة 1930s. أهم الفنانين في أوبود هو إيدا باغوس سينا ​​(ابن إيدا باغوس مادي بولنغ) ، إيه إيه جي دي أنوم سوكاواتي (ابن أيا راكا بودجا) ، أنا كيتوت بوديانا ، أنا نيومان كايون وأنا نيومان ميخا. بوديانا هو الفنان الذي يتمتع بسجل حافل بمعرض سولو. يتم جمع لوحاته من قبل متحف فوكوكا للفنون ، و Bentara Budaya Jakarta ، ومتحف Puri Lukisan ، ومتحف Neka ومتحف أرما. كما طورت إيدا باجوس سينا ​​أسلوبًا فريدًا ولها فهم عميق للفلسفة البالية في لوحاته. أنوم سوكاواتي هي أنجح بطولات باليني. طوّر نيومان ميا أسلوبًا ينسخ عن كثب من قبل العديد من طلابه. حصلت نيومان كايون على جائزة من Bali Bangkit في عام 2008.

باتوان اللوحة
تمارس مدرسة باتوان للرسم أعمال فنانين في قرية باتوان ، التي تقع على بعد 10 كيلومترات (6.2 ميل) إلى الجنوب من أوبود. حرفيو باتوان هم راقصون موهوبون ونحاتون ورسامون. ومن بين الفنانين البارزين في الثلاثينيات ، نيومان نغيندون ، وعدد من أعضاء العائلات البارمية الرائدة ، بما في ذلك إيدا باغوس مادي توجوج. ومن بين الفنانين الباتوانيين الرئيسيين الآخرين من عصر ما قبل الحداثة I Dewa Nyoman Mura (1877-1950) و I Dewa Putu Kebes (1874-1962) ، والذين عرفوا باسم sanging ؛ رسامين تقليديين على طراز ويانغ للمنسوجات الاحتفالية للمعابد.

لم يصل التأثير الغربي في باتوان إلى شدته في أوبود. ووفقًا لصحيفة كلير هولت ، كانت لوحات باتوان غالبًا مظلمة ، أو تمثيلات مزدحمة للمشاهد أو المظاهر الأسطورية من الحياة اليومية ، ولكنها صورت قبل كل شيء لحظات ليلية مخيفة عندما كانت الأشباح الغريبة ، وحوش الحيوانات الغريبة ، والساحرات متقاعدين. وهذا ينطبق بشكل خاص على اللوحات التي جمعها كل من مارغريت ميد وغريغوري باتسون أثناء دراستهم الميدانية في بالي في عام 1936 حتى عام 1939. تدرج تدرجات الحبر الأسود إلى الأبيض فوق معظم سطح الأرض ، وذلك لخلق جو من الظلام والكآبة. في السنوات الأخيرة ، غطت التصاميم الفضاء بأكمله ، والذي ساهم في كثير من الأحيان في الطبيعة المزدحمة لهذه اللوحات.

من بين أوائل الفنانين في باتوان ، اعتبرتُ أنا نغندون (1903-1946) الرسام الأكثر إبداعًا في مدرسة باتوان. لم يكن نجندون رسامًا جيدًا فحسب ، بل كان رجل أعمال ذكي وناشطًا سياسيًا. شجع وعبأ جيرانه وأصدقائه لطلاء للاستهلاك السياحي. لعبت قدرته في فن التصوير دورا هاما في تعليم رفاقه من القرويين في باتوان أكثر من سبايز و بونيه. كان أشهر الفنانين الباتوان من هذه الفترة: I Patera (1900-1935) ، I Tombos (ب. 1917) ، Ida Bagus Togog (1913-1989) ، Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946) ، Ida Bagus Ketut Diding (1914 -1990) ، وأدلى Djata (1920-2001) ، وإيدا باجوس Widja (1912-1992). لا تزال روح فترة Pitamaha قوية وتستمر من قبل الفنانين المعاصرين Batuan مثل I Made Budi ، I Wayan Bendi (ب. 1950) ، I Ketut Murtika (ب. 1952) ، I Made Sujendra (ب. 1964) ، والعديد الآخرين. لوحات I Made بودي وأنا واين بندي التقاط تأثير السياحة في الحياة الحديثة في بالي. يضعون السياح مع الكاميرا الخاصة بهم ، وركوب الدراجة النارية أو ركوب الأمواج في خضم أنشطة القرية التقليدية البالية. تناقض الانقسام بين الحياة البالية الحديثة والتقليدية تناقضًا صارخًا. أنا Ketut Murtika (لا يزال يرسم قصة Mahabharata و Ramayana التقليدية في تفاصيل مضنية بألوان متدنية. تظهر لوحة رسم عجلة الحياة من نظام المعتقدات البالية مدى إتقانه للأساطير المحلية والاهتمام بالتفاصيل.

لوحة سانور
على عكس أوبود وباتوان اللتين تقعان في جزيرة بالي ، سانور هو منتجع شاطئي. كانت سانور موطن الفنان البلجيكي الشهير لو مايور دي ميبريس ، الذي عاش مع زوجة باليني (ني بولوك) وكان له منزل على الشاطئ في شاطئ سانور.

جاء السياح في 1930s إلى بالي على السفن السياحية رست في سانور ورحلات جانبية إلى أوبود والمواقع السياحية المجاورة. ووفر موقعها الرئيسي للفنان سانور إمكانية الوصول إلى السياح الغربيين الذين يترددون على متجر Neuhaus Brothers الذين باعوا الهدايا التذكارية البالية والأسماك الاستوائية. أصبح Neuhaus brothers تاجرًا فنيًا رئيسيًا لرسومات Sanur. قدم الشاطئ حول سانور ، المليء بالركائز والأفق المفتوح ، الفنانين المحليين ببيئة بصرية مختلفة عن أوبود وباتوان ، والتي تقع في المناطق النائية. الجو الممتع يعمر لوحات سانور ، ولا تمليها الأيقونات الدينية. وهي أخف وزنا ومتجددة الهواء من تلك التي في باتوان وأوبود مع المخلوقات البحرية ، والمناظر المثيرة والحيوانات البرية التي رسمت في أنماط إيقاعية. في كثير من الأحيان بطريقة تشبه ايشر. كانت معظم الأعمال المبكرة لغسل الحبر الأبيض والأسود على الورق ، ولكن بناء على طلب من Neuhaus ، تزينت الأعمال الأخيرة بألوان فاتحة فاتحة يضيفها عادة فنانين آخرين متخصصين في تلوين رسومات سوداء وبيضاء. وكثيرا ما يتم العثور على رمز الاسم في الهامش.

تعتبر مدرسة سانور للرسم هي الأكثر أناقة وزخرفاً بين جميع فنون بالي الحديثة. الفنانين الرئيسيين من سانور هم I Rundu ، إيدا باجوس نيومان راي ، I Soekaria ، I Poegoeg ، I Rudin ، وغيرها الكثير. أنا رودين ، الذي بدأ الرسم في منتصف ثلاثينيات القرن العشرين ، يجذب الراقصين الباليين البسطاء على طريقة رسومات ميغيل كوفاروبياس.

لوحة الفنان الشاب
ينسب تطور مدرسة الفنانين الشباب للرسم إلى الفنان الهولندي آري سميت ، وهو جندي هولندي خدم خلال الحرب العالمية الثانية وقرر البقاء في بالي. في أوائل الستينات من القرن الماضي ، صادف الأطفال في قرية بينيستانان بالقرب من تجامبوهان وهم يرسمون على الرمال. وشجع هؤلاء الأطفال على الطلاء عن طريق تزويدهم بالورق والدهانات.

تتميز لوحاتهم برسوم “تشبه الأطفال” تفتقر إلى التفاصيل والألوان الزاهية التي يتم رسمها باستخدام الطلاء الزيتي على القماش. وبحلول السبعينيات ، اجتذبت نحو ثلاثمائة من الرسامين الفلاحين لإنتاج لوحات للسياح. في عام 1983 ، عقد المعرض الوطني الماليزي معرضًا كبيرًا عن لوحات الفنان الشاب من مجموعة داتوك ليم تشونج كيت.

تم إعدام لوحة I Wayan Pugur (مواليد 1945) الموضحة هنا ، عندما كان عمره 13 عامًا ، وعرضت في متحف سان فرانسيسكو للفن الحديث في عام 1964 ، كجزء من معرض متنقل في الولايات المتحدة في 1964-1965. . يعرض هذا الرسم المبكر ، الذي تم تنفيذه على الورق ، استخدام الألوان الزاهية والتركيبة المتوازنة. تنقسم مساحة الرسم إلى ثلاث مناطق ذات لون صلب: الأزرق الداكن والأصفر الفاتح والأرجواني بين إظهار تأثير تقاليد الرسم في وايانغ. وتظهر أوراق الشجرة الكبيرة مع الثعابين تجاور الألوان التكميلية. تم رسم وجوه الأرقام بدون تفاصيل ، لكن الثعابين لها عيون وألسنة طويلة.

كبار الفنانين من مدرسة الفنانين الشباب هم I Wayan Pugur ، I Ketut Soki ، I Ngurah KK ، I Nyoman Londo ، I Ketut Tagen ، MD Djaga ، I Nyoman Cakra ، Ni Ketut Gampil ، I Nyoman Mundik ، I Wayan Regug وغيرها الكثير.

Keliki لوحة مصغرة
في سبعينيات القرن العشرين ، ظهرت لوحات مصغرة من كيليكي ، وهي قرية صغيرة تقع شمال أوبود ، يقودها مزارع محلي يدعى I Ketut Sana. تتراوح الأحجام من صغيرة تصل إلى 2 × 3 بوصة إلى 10 × 15 بوصة. تعلمت أنا كتوت سانا أن أرسم من I Gusti Nyoman Sudara Lempad من Ubud ومن I Wayan Rajin من Batuan. جمع بين رسم خط Lempad وتفاصيل مدرسة Batuan. يتم تغطية كل بوصة من المساحة بتفاصيل دقيقة عن حياة القرية البالية وأساطيرها المرسومة بالحبر والألوان المائية. والنتيجة هي الزواج بين شباب مدرسة أوبود وتفاصيل مدرسة باتوان. فنانو كيليكي فخورون بصبرهم لرسم تفاصيل دقيقة لكل الأشياء التي تشغل مساحة الرسم بدقة.

يتضح على اليسار رسمًا لـ I Lunga (c. 1995) يصور قصة Rajapala. غالبًا ما يُشار إلى راجابالا على أنه أول المتلصصين الباليين أو “مختلس النظر توم.” وفقًا لما ورد في القصة ، يكتشف راجابالا مجموعة من الحوريات السماوية تستحم في بركة. يقترب من خلسة ، ودون علمهم ، يسرق تنورة (كمبن) من أجملهم ، صليش. بما أن ملابسها تحتوي على قوى سحرية تمكنها من الطيران ، فإن الحورية لا يمكنها العودة إلى المنزل. تقدم راجابالا الزواج بها. وهي تقبل بشرط عودتها إلى الجنة بعد ولادة طفل. مع مرور الوقت ، لديها وراجابالا ابن صغير صحي. تمر سنوات ، ويومًا واحدًا ، يكتشف صليش عن طريق الخطأ ملابسها المخبأة في المطبخ. تدرك أنها خُدعت ، وأنها تأخذ إجازة من زوجها وابنها وتعود إلى منزلها السماوي.

كبار الفنانين من كلية كيليكي للفنون هم سانغ كيتوت مانديرا (دولت) ، أنا كيتوت سناء ، أنا وايان سورانا ، أنا لونجا ، أنا وايان نينغاه ، آي مود أوكين ، غونغ جونا ، آيدي مادي ، أنا وايان لانوس ، آي وايان لودرا ، إيدا باغوس بوترا ، جوستي نجورا بوترا ريونج وغيرها الكثير.

مدارس أخرى للرسم
اللوحة بصمة
الباليه من أصل ملكي ، أنا غوستي نجورا جيدي بيمبيان يصنع لوحاته بصمات الأصابع. إذا استخدمنا تقنية الفرشاة ، يمكننا تفريغها إذا لزم الأمر ، لكن تقنية البصمة يجب أن تضع كل نقطة بدقة. لوحات بصماته ليس لها توقيع ، ولكن لديها الكثير من بصمات أصابعه. تُعتبر تقنية رسم بصمات الأصابع جزءًا من تقنية اللوحة الاستشراقية (مع الفرشاة).

نحت الخشب
على غرار اللوحة البالية ، خضع نحت الخشب البالي إلى تحول مماثل خلال ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين. غالبًا ما تنسب الفورة الإبداعية خلال هذه الفترة الانتقالية إلى التأثيرات الغربية. في عام 2006 ، تتبع معرض في متحف نوسانتارا ، دلفت ، هولندا Leidelmeijer تأثير آرت ديكو على نحت الخشب البالي. وقد خمن Leidelmeijer كذلك أن تأثير Art Deco استمر بشكل جيد في السبعينيات.

خلال السنوات الانتقالية ، كانت نقابة الفنانين في بيتاماها المحرك الرئيسي ليس فقط للوحات البالية ، ولكن أيضا لتطوير المنحوتات الخشبية البالية الحديثة. أنتجت أنا تاغيلان (1902-1935) منحوتة مطولة لامرأة من البالية من قطعة طويلة من الخشب أعطىها والتر سبايز ، الذي طلب منه في الأصل أن ينتج تمثالين. هذا النحت في مجموعة متحف Puri Lukisan في Ubud.

وكان سادة آخرون من نحت الخشب البالية الحديثة: إيدا باغوس نيانا ، تجوكوت (1886-1971) وإيدا باجوس تيلم. اشتهر إيدا باغوس نيانا بتجربته في فن النحت. عند نحت الشخصيات البشرية ، قام بتقصير بعض أجزاء الجسم وإطالة الآخرين ، وبالتالي جلب جودة غريبة وسريئة لعمله. وفي الوقت نفسه ، لم يبالغ في العمل على الخشب ، واعتمد مواضيع بسيطة ساذجة في الحياة اليومية. وهكذا تجنب فخ “الباروك” ، على عكس العديد من نحاتي عصره.

اكتسبت تجوكوت سمعة لاستغلال الجودة التعبيرية الكامنة في الخشب. كان يذهب إلى الغابة للبحث عن جذوع وأغصان على شكل غريب ، ويغيرها إلى أقل قدر ممكن ، ويحولها إلى أشباح شيطانية وشخصيات شيطانية.

عزز إيدا باجوس تيلم ، ابن نيانا ، ابتكارات نيانا وتاكوكوت سواء في عمله من الخشب أو في اختياره للمواضيع. على عكس النحاتين من الجيل السابق ، كان جريئًا بما يكفي لتغيير نسب الشخصيات التي صورت في نحته. سمح للتشوهات الطبيعية في الخشب لتوجيه شكل من أشكال نحته ، وذلك باستخدام سجلات شرس مناسبة تماما لتمثيل الهيئات البشرية الملتوية. رأى كل سجل مشوه أو فرع كوسيلة للتعبير عن مشاعر الإنسان. بدلاً من تصوير أساطير الحياة اليومية أو مشاهدها ، تناول تيلم مواضيع “مجردة” بمضمون فلسفي أو نفسي: باستخدام قطع الخشب المشوهة التي تتمتع بقدرات تعبيرية قوية. إلا أن إيدا باغوس تيلم لم يكن فنانًا فحسب ، بل كان أيضًا معلمًا. قام بتدريب عشرات النحاتين الشباب من المنطقة المحيطة بقرية ماس. علمهم كيفية اختيار الخشب لقوتها التعبيرية ، وكيفية إقامة حوار بين الخشب والرجل الذي أصبح الاتجاه السائد اليوم من نحت الخشب البالي.

المتاحف عقد جمع اللوحة بالين مهمة
هناك العديد من المتاحف في جميع أنحاء العالم تحمل مجموعة كبيرة من اللوحات البالية.

أوروبا: في هولندا ، متحف تروبين في أمستردام والمتحف الإثنوغرافي في ليدن ، يوجد في متحف نوسانتارا في دلفت عدد كبير من اللوحات من فترة وايانغ (قبل عشرينيات القرن العشرين) وفترة ما قبل الحرب (1920 – 1950). والجدير بالذكر أن متحف لايدن الإثنوغرافي يحمل مجموعة رودولف بونيه وبول سبايز. في سويسرا ، يحمل المتحف الإثنوغرافي في بازل لوحات باتوان وسانور ما قبل الحرب التي جمعها شلاغر والفنان ثيو ماير. في أواخر عام 2010 ، أعاد المتحف الإثنوغرافي في فيينا (النمسا) اكتشاف اللوحات البالية في فترة ما قبل الحرب التي جمعها بوتجويد في منتصف الثلاثينيات.

آسيا: في اليابان ، يمتلك متحف الفن الآسيوي في فوكوكا مجموعة بالية ممتازة بعد الحرب العالمية الثانية. يمتلك متحف سنغافورة الوطني للفنون مجموعة كبيرة من اللوحات البالية لما قبل الحرب وما بعد الحرب.

أستراليا: يحتوي المتحف الأسترالي في سيدني على مجموعة كبيرة من “كاماسان” وغيرها من اللوحات التقليدية التي جمعها أنثولوغورج Anthropologist. يضم المعرض الوطني الأسترالي في سيدني بعض الأعمال البالية.

إندونيسيا: متحف سانا بودايا في يوجياكارتا ومتحف بينتارا بودايا في جاكرتا. في بالي ، توجد الرسومات البالينية في فترة ما قبل الحرب في مقتنيات متحف بالي في دنباسار ومركز توثيق الثقافة البالية في دنباسار. بالإضافة إلى ذلك ، هناك أربعة متاحف رئيسية في أوبود ، بالي ، مع مجموعات كبيرة: متحف بوري لوكيسان ، متحف أجونج راي للفنون ، متحف الفن نيكا ومتحف رودانا.

أمريكا: متحف جامعة ديوك في دورهام ، المتحف الأمريكي للتاريخ الطبيعي في نيويورك ، الأمم المتحدة في نيويورك.