فن الآرت نوفو هو أسلوب عالمي من الفن والهندسة المعمارية والفن التطبيقي ، وخاصة الفنون الزخرفية ، التي كانت الأكثر شعبية بين عامي 1890 و 1910. رد فعل على الفن الأكاديمي في القرن التاسع عشر ، كان مستوحى من الأشكال والهياكل الطبيعية ، ولا سيما خطوط منحنية من النباتات والزهور.

أسلوب مزخرف من أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين ازدهر بشكل رئيسي في أوروبا والولايات المتحدة الأمريكية على الرغم من أنه أثر في الرسم والنحت ، إلا أن مظاهره الرئيسية كانت في الهندسة المعمارية والفنون الزخرفية والرسومات ، وهي الجوانب التي يركز عليها هذا المسح. خطوط متناظرة غير متناظرة تعتمد على أشكال عضوية ؛ بالمعنى الأوسع ، فهي تشمل الأنماط والإيقاعات الهندسية والتجريدية التي تطورت كجزء من رد الفعل العام للتاريخية في القرن التاسع عشر. هناك اختلافات واسعة في الأسلوب بحسب المكان الذي ظهرت فيه والمواد المستخدمة.

يعتبر الفن الحديث أسلوباً فنياً “شاملاً” ، يضم العمارة والفن التصويري والتصميم الداخلي ومعظم الفنون الزخرفية بما في ذلك المجوهرات والأثاث والمنسوجات والفضيات المنزلية والأدوات الأخرى والإضاءة ، وكذلك الفنون الجميلة. فلسفة الأسلوب ، يجب أن يكون الفن أسلوب حياة بالنسبة للعديد من الأوروبيين الميسورين ، كان من الممكن العيش في منزل مستوحى من فن الآرت نوفو مع أثاث على طراز الآرت نوفو والفضيات والأقمشة والسيراميك بما في ذلك أدوات المائدة والمجوهرات والحقائب السجائر ، أراد الفنانون أن يجمعوا بين الفنون الجميلة والفنون التطبيقية ، حتى بالنسبة للأشياء النفعية.

الشكل والحرف
على الرغم من أن الفن الحديث اكتسب ميولاً محلية مميزة مع زيادة انتشاره الجغرافي ، فإن بعض الخصائص العامة تدل على الشكل. وصفه نشر في مجلة بان عن حائط هيرمان اوبرست المعلق “سيكلامين” (1894) وصفه بأنه “منحنيات عنيفة مفاجئة ناتجة عن صدع سوط” ، والتي أصبحت معروفة خلال الانتشار المبكر للفن الحديث. في وقت لاحق ، لم يقتصر الأمر على العمل نفسه المعروف باسم The Whiplash ولكن كثيرا ما يتم تطبيق مصطلح “الاصابة” على المنحنيات المميزة التي يستخدمها فنانون الفن الحديث. هذه الزخارف الزخرفية “الجليدية” ، التي تكونت من خطوط ديناميكية متموجة ، ومتدفقة في إيقاع متزامن وشكل غير متماثل ، موجودة في جميع أنحاء العمارة والرسم والنحت وغيرها من أشكال تصميم فن الآرت نوفو.

تم العثور على أصول الفن الحديث في مقاومة الفنان ويليام موريس إلى التراكيب المشوشة والميول الإحيائية في القرن التاسع عشر ونظرياته التي ساعدت على إطلاق حركة الفنون والحرف اليدوية. ومع ذلك ، غالبًا ما يُعتبر غلاف كتاب آرثر ماكموردو لكنائس مدينة رين (1883) ، مع أنماطها الزهرية الإيقاعية ، أول إدراك لفن الآرت نوفو. وفي نفس الوقت تقريباً ، كان للمنظور المستوي والألوان القوية لمطبوعات الكتل الخشبية اليابانية ، وخاصة تلك الخاصة بـ Katsushika Hokusai ، تأثير قوي على صياغة الفن الحديث. كانت Japonisme التي كانت شعبية في أوروبا خلال 1880 و 1890s مؤثرة بشكل خاص على العديد من الفنانين مع أشكالها العضوية وإشارات إلى العالم الطبيعي. إلى جانب اعتماده من قبل فنانين مثل Emile Gallé و James Abbott McNeill Whistler ، قام الفنانان Siegfried Bing و Arthur Lasenby Liberty بتأييد الفن والتصميم المستوحى من اليابان في متاجرهما في باريس ولندن ، على التوالي.

في العمارة ، تشكِّل القطع الزائدة والقطع المكافئة في النوافذ والأقواس والأبواب شائعة ، وتنمو القوالب الزخرفية إلى أشكال مشتقة من النباتات. مثل معظم أنماط التصميم ، سعى الفن الحديث إلى تنسيق أشكاله. يستخدم النص فوق مدخل مترو باريس صفات بقية أعمال الحديد في الهيكل.

تحاشى الفن الحديث في الهندسة المعمارية والتصميم الداخلي أنماط الإحياء الانتقائي في القرن التاسع عشر. على الرغم من أن الفن الحديث اختارت المصممين و “قاموا بتحديث” بعض العناصر الأكثر تجريدية من نمط الروكوكو ، مثل قوام اللهب والقشرة ، فقد دافعوا أيضًا عن استخدام أشكال عضوية مبسطة جدًا كمصدر للإلهام ، مما وسّع نطاق “المرجع الطبيعي” إلى استخدام الأعشاب البحرية والأعشاب والحشرات. وكانت أشكال الخلط الطري للقرن السابع عشر من القرن العشرين ، والتي كانت أفضل مثال في الفضيات الهولندية ، تأثيرًا آخر.

العلاقة مع الأساليب والحركات المعاصرة
كنمط فني ، يمتلك الفن الحديث صلات مع Pre-Raphaelites والأساليب الرمزية ، ويمكن تصنيف فنانين مثل Aubrey Beardsley و Alphonse Mucha و Edward Burne-Jones و Gustav Klimt و Jan Toorop في أكثر من واحد من هذه الأساليب. على عكس الرسم الرمزي ، ومع ذلك ، فن الآرت نوفو له مظهر مميز. وعلى عكس حركة الفنون والحرف التي تعتمد على الحرفيين ، استخدم فنانون من فن الآرت نوفو المواد الجديدة ، والأسطح المصنوعة ، والتجريد في خدمة التصميم النقي.

لم يتجنب الفن الحديث استخدام الآلات ، كما فعلت حركة الفنون والحرف. بالنسبة للنحت ، كانت المواد الرئيسية المستخدمة هي الزجاج والحديد المطاوع ، مما أدى إلى صفات نحتية حتى في الهندسة المعمارية. كما تم استخدام السيراميك في إنشاء طبعات من منحوتات لفنانين مثل أوغست رودان.

استفادت الهندسة المعمارية لفن الآرت نوفو من العديد من الابتكارات التكنولوجية في أواخر القرن التاسع عشر ، ولا سيما استخدام الحديد المكشوف والقطع الزجاجية الكبيرة غير المنتظمة للعمارة. ولكن مع بداية الحرب العالمية الأولى ، بدأت الطبيعة المنمقة لتصميم الفن الحديث تتعرض للتهميش لصالح حداثة أكثر انسيابية واستقامة – يعتقد أنها أكثر أمانا للجمالية الصناعية الأصيلة التي أصبحت فن آرت ديكو.

تم استيعاب اتجاهات الفن الحديث أيضا في الأنماط المحلية. في الدنمارك ، على سبيل المثال ، كان أحد جوانب Skønvirke (“العمل الجمالي”) ، والذي يرتبط في حد ذاته بشكل أكبر بأسلوب الفنون والحرف اليدوية. وبالمثل ، اعتمد الفنانون العديد من الأشكال الزهرية والعضوية للفن الحديث في أسلوب Młoda Polska (“بولندا الشباب”) في بولندا. ومع ذلك ، كانت Młoda Polska أيضًا تشتمل على أساليب فنية أخرى وشملت نهجًا أوسع للفن والأدب ونمط الحياة.

ازدهرت الفنون التصويرية في فترة فن الآرت نوفو ، بفضل التقنيات الجديدة للطباعة ، وخاصة الطباعة الحجرية الملونة التي سمحت بالإنتاج الضخم للملصقات الملونة. لم يعد الفن يقتصر على المعارض والمتاحف والصالونات. يمكن العثور عليها على جدران باريس ، وفي المجلات الفنية المصورة ، التي تعمم في جميع أنحاء أوروبا والولايات المتحدة. كان الموضوع الأكثر شعبية في ملصقات الفن الحديث هو النساء ؛ ترمز النساء إلى البريق والحداثة والجمال ، وغالباً ما يحيط بهما الزهور.

في بريطانيا ، كان الفنان الأول في فن الآرت نوفو هو أوبري بيردسلي (1872-1898). بدأ مع الرسوم التوضيحية الكتاب محفورة لالمورتي دي آرثر ، ثم الرسوم التوضيحية بالأبيض والأسود ل Salome من قبل أوسكار وايلد (1893) ، والتي جلبت له الشهرة. في العام نفسه ، بدأ بنقش رسوم توضيحية وملصقات لمجلة الفن The Studio ، التي ساعدت في نشر الفنانين الأوروبيين مثل فرناند خنوف في بريطانيا. جذبت خطوط التقوس وأنماط الأزهار المعقدة اهتمامًا كبيرًا بالنص.

كان الفنان السويسري الفرنسي أوجين غراسي (1845-1917) أحد أوائل مبدعي ملصقات الفن الفرنسي الحديث. ساعد في تزيين الكباريه الشهير Le Chat noir في عام 1885 وقدم أول ملصقاته لـ Fêtes de Paris. قام بعمل ملصقات مشهورة لسارة برنهارد في عام 1890 ، ومجموعة متنوعة من الرسوم التوضيحية للكتاب. قام كل من الفنانين المصممين جول شريت وجورج دي فيوري والرسام هنري دي تولوز لوتريك بصنع ملصقات لمسارح باريس والمقاهي وملاهي الرقص. وصل الفنان التشيكي ألفونس موتشا (1860-1939) إلى باريس في عام 1888 ، وفي عام 1895 قدم ملصقًا للممثلة سارة برنهارد في مسرحية Gismonda by Victorien Sardou ، أدى نجاح هذا الملصق إلى عقد لإنتاج ملصقات لستة مسرحيات أخرى بواسطة برنهاردت. على مدى السنوات الأربع التالية ، قام أيضًا بتصميم مجموعات وأزياء وحتى مجوهرات للممثلة. واستنادا إلى نجاح ملصقاته المسرحية ، صنعت Mucha ملصقات لمجموعة متنوعة من المنتجات ، بدءا من السجائر والصابون وبسكويت البيرة ، وكلها تتميز بشخصية نسائية مثالية مع شخصية الساعة الرملية. ثم قام بتصميم المنتجات ، من المجوهرات إلى صناديق البسكويت ، بأسلوبه المميز.

في فيينا ، كان المصمم غولومان موسر (1868-1918) هو المصمم الأكثر إنتاجًا للرسومات والملصقات ، حيث شارك بنشاط في حركة الانفصال مع غوستاف كليمت وجوزيف هوفمان ، وقدم رسومًا توضيحية وأغلفة لمجلة الحركة ، Ver Sacrum ، وكذلك اللوحات والأثاث والديكور.

لوحة
كانت اللوحة مجالًا مهمًا آخر من الفن الحديث ، على الرغم من أن معظم رسامي الفن الحديث ارتبطوا أيضًا بحركات فنية أخرى ، لا سيما النبي في فرنسا والرموز الرمزية في فرنسا والنمسا. في عام 1892 ، نظم سيغفريد بينغ معرضًا في باريس يضم سبعة رسامين ، من بينهم بيار بونار وإدوارد فويلارد وفيليكس فالوتون وموريس دينيس. وقد عرضت دارته في Maison de l’Art Nouveau لوحات قام بها جورج سوراس Paul Paul ، و Henri de Toulouse-Lautrec. انتقلت Eugène Grasset و Koloman Moser و Gustav Klimt بشكل مريح في الطليعة و Art Nouveau. في بلجيكا ، عمل فرناند خنوف في كل من الرسم والتصميم الجرافيكي. كانت لوحات غوستاف كليمت جزءاً لا يتجزأ من مخطط زخرفه جوزيف هوفمان في قصر ستوتشليت. وكان أحد الموضوعات الشائعة لكل من الرسامين والرسم على فن الآرت نوفو في تلك الفترة هو التصوير النسائي للمرأة. أحد المواضيع المشهورة كان الراقص الأمريكي لوي فولر ، الذي صوره الرسامون والفنانون الفرنسيون والنمساويون.

فن الزجاج
كان فن الزجاج وسيلة وجدت فيها الفن الحديث طرقًا جديدة ومتنوعة للتعبير. استمر الكثير من التجارب ، ولا سيما في فرنسا ، لإيجاد تأثيرات جديدة للشفافية والعتامة: في النقش بالحجاب ، والطبقات المزدوجة ، والحفر الحمضي ، وهي تقنية سمحت بالإنتاج في سلسلة. وأصبحت مدينة نانسي مركزًا مهمًا لصناعة الزجاج الفرنسية ، وكانت هناك ورش عمل لإيميلي غالي واستوديو داوم ، بقيادة أوغست وأنتونين داوم. عملوا مع العديد من المصممين البارزين ، بما في ذلك إرنست بوسيير ، هنري بيرجي ، و أمالريك والتر. طوروا طريقة جديدة لصقل الزجاج بالضغط على أجزاء مختلفة من الزجاج الملون في القطعة غير المكتملة. كانوا يتعاونون في كثير من الأحيان مع مصمم الأثاث لويس ماجوريل ، الذي كان منزله وورش العمل في نانسي. ميزة أخرى من الفن الحديث هو استخدام نوافذ الزجاج الملون مع هذا النمط من الزهور في الصالونات السكنية ، ولا سيما في بيوت الفن الحديث في نانسي. الكثير منها كان عمل جاك غروبر ، الذي صنع نوافذ لفيلا ماجوريل ومنازل أخرى.

في بلجيكا ، كانت الشركة الرائدة هي مصنع الزجاج في فال سانت لامبرت ، الذي صنع مزهريات في أشكال عضوية وزهرية ، والعديد منها صممه فيليب ولفرز. ولوحظ ولفرز على وجه الخصوص لإنشاء أعمال من الزجاج الرمزي ، في كثير من الأحيان مع زخرفة معدنية المرفقة. في بوهيميا ، ثم في منطقة الإمبراطورية النمساوية المجرية التي تمت ملاحظتها لصناعة البلورات ، جربت شركتا Lobmeyr و Loetz-Witwe تقنيات التلوين الجديدة ، مما أدى إلى إنتاج ألوان أكثر حيوية وثراء. في ألمانيا ، قاد كارل كوبينج التجريب ، الذي استخدم الزجاج المنفوخ في صنع نظارات دقيقة للغاية على شكل زهور. حساسة لدرجة أن القليل من البقاء على قيد الحياة اليوم.

في فيينا ، كانت التصاميم الزجاجية لحركة الانفصال أكثر هندسية من تلك الموجودة في فرنسا أو بلجيكا. كان أوتو بروتشر مصمم الزجاج الأكثر صرامة في الحركة.

في بريطانيا ، قام مارغريت ماكدونالد ماكينتوش بإنشاء عدد من تصميمات الزجاج الملون من الأزهار للعرض المعماري المسمى “بيت عاشق الفن”.

في الولايات المتحدة ، أصبح لويس كومفورت تيفاني ومصمميه مشهورين على نحو خاص بمصابيحهم ، التي تستخدم ظلالها الزجاجية مواضيع زهرية مشتركة معقدة بشكل معقد. اكتسبت مصابيح تيفاني شعبية بعد المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو في عام 1893 ، حيث عرضت تيفاني مصابيحه في كنيسة شبيهة بالبيزنطية. جربت Tiffany على نطاق واسع مع عمليات تلوين الزجاج ، وبراءات الاختراع في عام 1894 عملية الزجاج Favrile ، والتي تستخدم أكاسيد معدنية لتلوين الداخلية من الزجاج المنصهر ، مما يعطيها تأثير قزحي الألوان. أنتجت ورشته عدة سلاسل مختلفة من مصباح تيفاني في تصاميم زهرية مختلفة ، إلى جانب النوافذ الزجاجية الملونة ، الشاشات ، المزهريات ومجموعة من الأشياء الزخرفية. تم استيراد أعماله لأول مرة إلى ألمانيا ، ثم إلى فرنسا بواسطة سيغفريد بينغ ، ثم أصبحت واحدة من الأحاسيس الزخرفية في معرض 1900. تم تأسيس منافس أمريكي لـ Tiffany ، Steuben Glass ، في عام 1903 في Corning ، NY ، بواسطة Frederick Carder ، الذي ، مثل Tiffany ، استخدم عملية Fevrile لإنشاء أسطح ذات ألوان قزحية. كان هناك فنانة بارزة أخرى في فن الزجاج الأمريكي هو جون لا فارج ، الذي ابتكر نوافذ زجاجية ملونة ومتشابكة ومتشابكة في كل من الموضوعات الدينية والزخرفية البحتة.

الفن المعدني
كان المنظر المعماري في القرن التاسع عشر Viollet-le-Duc قد دافع عن إظهار الأطر الحديدية للمباني الحديثة بدلاً من إخفائها ، إلا أن مهندسي فن الآرت نوفو فيكتور هورتا وهكتور جويمارد ذهبوا خطوة أبعد: فقد أضافوا زخرفة حديدية في منحنيات مستوحاة من الأزهار والنباتات. تشكل في كل من التصميمات الداخلية والخارجية لمبانيهم. أخذوا شكل سلالم السلالم في الداخل ، مصابيح ، وتفاصيل أخرى في الداخل ، وشرفات وزخارف أخرى على السطح الخارجي. أصبحت هذه بعض السمات الأكثر تميزًا في فن الآرت نوفو. كما ظهر استخدام الزخارف المعدنية بأشكال نباتية في الملاعق والمصابيح ومواد الزينة الأخرى.

في الولايات المتحدة ، صمم المصمم جورج غرانت Elmslie تصاميم من الحديد الزهر معقدة للغاية بالنسبة للدرابزينات والديكور الداخلي الآخر لمباني المهندس المعماري في شيكاغو لويس سوليفان.

في حين استخدم المصممون الفرنسيون والأمريكيون الأشكال النباتية والنباتية ، قام جوزيف ماريا أولبريتش وغيره من فناني الانفصال بتصميم أقداح الشاي وغيرها من الأشياء المعدنية بأسلوب هندسي ورصين أكثر.

مجوهرات
يتميز الفن الحديث بالأشكال والخطوط الناعمة والمنحنية ، وعادة ما يتميز بتصميمات طبيعية مثل الزهور والطيور والحيوانات الأخرى. الجسم الأنثوي هو موضوع شعبي ومميز في مجموعة متنوعة من قطع المجوهرات ، خاصةً النقش. غالبًا ما تضمنت قلادات طويلة مصنوعة من اللؤلؤ أو سلاسل من الفضة الإسترلينية تتخللها حبات زجاجية أو تنتهي بعلامة فضية أو ذهبية ، وقد تم تصميمها في كثير من الأحيان كزينة لتحمل جوهرة واحدة من الجمشت أو الزبرجد أو السترين.

جلبت فترة فن الآرت نوفو ثورة نمطية ملحوظة لصناعة المجوهرات ، تقودها إلى حد كبير الشركات الكبرى في باريس. على مدى القرنين الماضيين ، كان التركيز في المجوهرات الراقية يخلق إعدادات درامية للماس. خلال عهد الفن الحديث ، لعبت الماس عادة دورا داعما. جربت الجواهريون مجموعة متنوعة من الأحجار الأخرى ، بما في ذلك العقيق ، العقيق العقيق ، حجر القمر ، الزبرجد وغيرها من الأحجار شبه الكريمة ، مع مجموعة واسعة من التقنيات الجديدة ، من بين أمور أخرى ، المينا ، والمواد الجديدة ، بما في ذلك القرن ، والزجاج المقولب ، و عاج.

شملت المجوهرات البارزة في باريس على طراز فن الآرت نوفو لويس آوكوك ، الذي كانت شركة مجوهراته العائلية تعود إلى عام 1821. خدم المصمم الأكثر شهرة في فترة الفن الحديث ، رينيه لاليك ، تدربه في استوديو Aucoc من 1874 إلى 1876. أصبح لاليك شخصية من مجوهرات الفن الحديث والزجاج ، وذلك باستخدام الطبيعة ، من اليعسوب إلى الأعشاب ، كنموذج له. قام الفنانون من خارج عالم المجوهرات التقليدي ، مثل Paul Follot ، المعروف باسم مصمم الأثاث ، بتجربة تصاميم المجوهرات. ومن بين المصممين البارزين الآخرين في مجال تصميم فن الآرت نوفو الفرنسي جول براتو وجورجس هنري. في الولايات المتحدة ، أشهر المصممين هو لويس كومفورت تيفاني ، الذي تم عرض أعماله في متجر سيجفريد بينغ وأيضا في معرض باريس 1900.

في بريطانيا ، كان أبرز شخصية هو مصمم ليبرتي وشركاه ارشيبالد نوكس ، الذي صنع مجموعة متنوعة من قطع الفن الحديث ، بما في ذلك أبازيم الحزام الفضي. تصميم CR الأشبي في المعلقات في أشكال الطاووس. كما صمم تشارلز ريني ماكينتوش المصمم متعدد الاستخدامات في غلاسكو المجوهرات باستخدام رموز سلتيك التقليدية. في ألمانيا ، كان مركز مجوهرات جوجندستيل مدينة بفورتسهايم ، حيث كانت توجد معظم الشركات الألمانية ، بما في ذلك تيودور فهرنر. وسرعان ما أنتجت أعمالا لتلبية الطلب على النمط الجديد.

هندسة معمارية
كانت فن الآرت نوفو بمثابة رد فعل ضد الأنماط الانتقائية التي هيمنت على العمارة الأوروبية في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. تم التعبير عن ذلك من خلال الديكور. كانت البنايات مغطاة بالزخارف في أشكال التقويس ، على أساس الزهور والنباتات أو الحيوانات: الفراشات ، الطاووس ، البجع ، القزحيات ، بخور مريم ، زهور الأوركيد وزنابق الماء. كانت الواجهات غير متناظرة ، وغالبا ما كانت مزينة ببلاط السيراميك متعدد الألوان. الزخرفة عادة ما اقترحت حركة. لم يكن هناك تمييز بين الهيكل والحلية.

ظهر الطراز لأول مرة في فندق Hôtel Brussels Tassel (1894) و Hôtel Solvay (1900) في Victor Horta. قام هيكتور غيمارد بزيارة فندق Hôtel Tassel ، الذي استخدم نفس الأسلوب في أول عمل كبير له ، The Castel Béranger (1897–98). في كل هذه المنازل ، صمم المهندسون أيضا الأثاث والديكور الداخلي ، وصولا إلى مقابض الأبواب والسجاد. في عام 1899 ، واستناداً إلى شهرة كاسل برانجر ، تلقى غيمارد عمولة لتصميم مداخل محطات باريس الجديدة ، التي افتتحت في عام 1900. وعلى الرغم من أن القليل من هذه النسخ الأصلية قد بقيت ، إلا أنها أصبحت رمزًا لحركة الفن الحديث. في باريس.

في باريس ، كان الأسلوب المعماري أيضًا رد فعل على الأنظمة الصارمة المفروضة على بناء الواجهات من قبل جورج يوجين هوسمان ، حاكم باريس في عهد نابليون الثالث. وفي النهاية ، تم السماح بنوافذ القوس في عام 1903 ، وذهب المهندسون المعماريون في فن الآرت نوفو إلى الجانب المعاكس ، وأبرزهم في بيوت جولز لافروت ، التي كانت في الأساس عبارة عن أعمال نحتية كبيرة ، مغطاة بالكامل بالزخارف. ظهر حي مهم من بيوت فن الآرت نوفو في مدينة نانسي الفرنسية ، حول فيلا ماجوريل (1901–020) ، مقر إقامة مصمم الأثاث لويس ماجوريل. وقد صممه Henri Sauvage كمعرض لتصميمات أثاث Majorelle.

ينتشر الأسلوب المعماري من بلجيكا وفرنسا إلى ألمانيا وسويسرا وإيطاليا وإسبانيا وبقية أوروبا ، مع أخذ اسم وشخصية مختلفة في كل بلد. وصلت إلى ذروتها في عام 1910 ، وبحلول بداية الحرب العالمية الأولى ، تم الانتهاء منها فعليًا. استغرق نمط جديد ، آرت ديكو ، مكانها.

أثاث المنزل
ارتبط تصميم الأثاث في فترة فن الآرت نوفو ارتباطًا وثيقًا بهندسة المباني التي صممها المهندسون في الغالب من الأثاث والسجاد وتجهيزات الإضاءة ومقابض الأبواب وغيرها من التفاصيل الزخرفية. كان الأثاث أيضًا في الغالب معقدًا ومكلفًا ؛ كان يُنظر إلى الإنهاء الناعم ، المصقول أو الملمع عادة ، على أنه ضروري ، وكانت التصاميم القارية معقدة للغاية عادة ، مع أشكال منحنية كانت باهظة التكلفة. كما كان من عيب أن مالك المنزل لا يمكن تغيير الأثاث أو إضافة قطع بأسلوب مختلف دون تعطيل الأثر الكامل للغرفة. ولهذا السبب ، عندما انتهى فن العمارة على طراز الفن الحديث ، اختفى نمط الأثاث إلى حد كبير.

في فرنسا ، كان مركز تصميم وتصنيع الأثاث في نانسي ، حيث قام اثنان من المصممين الرئيسيين ، هما إميل غيلي ولويس ماجوريل ، باستوديوهاتهم وورشهم ، وحيث تأسس تحالف الصناعات (الذي سمي فيما بعد مدرسة نانسي) في عام 2001. اعتمد كلا المصممين على هيكلهما وزخارفهما على أشكال مأخوذة من الطبيعة ، بما في ذلك الزهور والحشرات ، مثل اليعسوب ، وهو شكل شائع في تصميم فن الآرت نوفو. كان غاليه معروفًا على نحو خاص باستخدامه للمطابخ في الإغاثة ، في شكل مناظر طبيعية أو موضوعات شعرية. كان “ماجوريل” معروفًا باستخدامه للأخشاب الغريبة والمكلفة ، ولإلصاق البرونز المنحوت في مواضيع نباتية إلى قطع أثاثه. استخدم كلا المصممين آلات للمراحل الأولى من التصنيع ، ولكن تم الانتهاء من جميع القطع يدويا. ومن بين مصممي الأثاث البارزين الآخرين في مدرسة نانسي كل من يوجين فالين وإيميلي أندريه. كلاهما كانا مهندسين معماريين من خلال التدريب ، وكلاهما من الأثاث المصمم الذي يشبه الأثاث من المصممين البلجيكيين مثل هورتا وفان دي فيلدي ، اللذان كان لديهما زخرفة أقل وتابعتا عن قرب النباتات والأزهار المنحنية. ومن بين المصممين الفرنسيين البارزين الآخرين هنري بيليري-دفرونتانيس ، الذي استوحى إلهامه من الأساليب الحديثة القوطية في فيوليت دو لو. وجورج دي فيوري ، وأوجين جيلارد ، وإدوارد كولونا ، اللذان عملا مع تاجر الأعمال الفنية سيجفريد بينج لتنشيط صناعة الأثاث الفرنسية بموضوعات جديدة. كان عملهم معروفًا بـ “الطبيعة المجردة” ، وحدتها من الخطوط المستقيمة والمنحنية ، وتأثير الروكوكو. فاز أثاث de Feure في جناح Bing بميدالية ذهبية في معرض باريس 1900. كان فرانسو-روبيرت كاربين ، المصمم الفرنسي الأكثر غرابة وفاتنة ، هو النحات الذي تم عرضه من خلال التدريب ، والذي كان أثاثه يحتوي على أشكال نسائية عارية منحوتة وحيوانات رمزية ، خاصة القطط ، التي جمعت بين عناصر الفن الحديث والرمزية. ومن المصممين الآخرين ذوي النفوذ في باريس ، شارل بلومت وألكساندر شاربينتييه. من نواح عديدة ، أعيد تفسير المفردات القديمة وتقنيات أثاث الروكوكو الفرنسي الكلاسيكي الذي يعود إلى القرن الثامن عشر بأسلوب جديد.

في بلجيكا ، قام المهندسون الرواد في حركة فن الآرت نوفو ، فيكتور هورتا وهنري فان دي فيلدي بتصميم الأثاث لمنازلهم ، باستخدام خطوط منحنية قوية وزخرفة دنيا. المصمم البلجيكي Gustave Serrurier-Bovy أضاف المزيد من الزخارف ، باستخدام أشرطة من النحاس الأصفر في أشكال منحنية. في هولندا ، حيث كان يُسمى الأسلوب Nieuwe Kunst أو New Art ، اتبعت HP Berlag و Lion Cachet و Theodor Nieuwenhuis مسارًا مختلفًا ، وهو اتجاه حركة الفنون والحرف الإنجليزية ، مع المزيد من الأشكال العقلانية الهندسية.

في بريطانيا ، كان أثاث شارل ريني ماكينتوش محضًا من الفنون والحرف ، مع التقشف والهندسي ، مع خطوط مستقيمة طويلة وزوايا قائمة على الأقل وزخرفة دنيا. كانت التصاميم القارية أكثر تفصيلاً ، وغالبًا ما تستخدم أشكالًا منحنية في الأشكال الأساسية للقطعة ، وفي الأشكال الزخرفية التطبيقية. في ألمانيا ، كان أثاث Peter Behrens و Jugendstil عقلانيا إلى حد كبير ، مع خطوط مستقيمة هندسية وبعض الزخارف الملحقة بالسطح. كان هدفهم هو عكس الفن الفرنسي الحديث. بساطة بنية وبساطة المواد ، للأثاث الذي يمكن أن يكون غير مكلف وسهل التصنيع. وينطبق الشيء نفسه على أثاث مصممي Wiener Werkstätte في فيينا ، بقيادة Otto Wagner ، و Josef Hoffmann ، و Josef Maria Olbrich و Koloman Moser. الأثاث كان هندسيًا ولديه حد أدنى من الزخارف ، على الرغم من أنه في الأسلوب ، غالبًا ما كان يتبع سابقة تاريخية وطنية ، وخاصة أسلوب Biedemeier.

ذهب تصميم الأثاث الإيطالي والإسباني باتجاههم الخاص. صمم Carlo Bugatti في إيطاليا كرسي الحلزون الاستثنائي ، والخشب المغطى بالورق الملون والنحاس ، من أجل معرض تورين الدولي لعام 1902. في إسبانيا ، بعد قيادة Antoni Gaudi وحركة Modernism ، صمم مصمم الأثاث Gaspar Homar أعمالًا مستوحاة من خلال أشكال طبيعية مع لمسات من الأساليب التاريخية الكاتالونية.

في الولايات المتحدة ، كان تصميم الأثاث مستوحى في الغالب من حركة الفنون والحرف اليدوية ، أو النماذج الأمريكية التاريخية ، من تصميم فن الآرت نوفو. أحد المصممين الذين قدموا موضوعات للفن الحديث كان تشارلز رولفس في بوفالو ، نيويورك ، التي تأثرت تصاميمها لأثاث البلوط الأبيض الأمريكي بزخارف الفن السلتي والفن القوطي ، مع لمسات من الفن الحديث في القطع المعدني المطبق على القطع.

سيراميك
شهد الجزء الأخير من القرن التاسع عشر العديد من الابتكارات التكنولوجية في صناعة السيراميك ، لا سيما تطوير الخزف ذو درجة الحرارة المرتفعة (الزليج الكبير) المزجج والمبلور. في الوقت نفسه ، تم اكتشاف العديد من التقنيات المفقودة ، مثل طلاء الزجاج الشحمي oxblood. كما تأثر سيراميك فن الآرت نوفو بالسيراميك الياباني والياباني التقليدي والحديث ، الذي تميزت رسوماته النباتية والزهرية بشكل جيد بطراز فن الآرت نوفو. في فرنسا ، أعاد الفنانون أيضًا اكتشاف أساليب الشبكات التقليدية وأعادوا ابتكارها بزخارف جديدة. كما وجد الخزف أيضًا استخدامًا جديدًا هامًا في الهندسة المعمارية: حيث بدأ المهندسون المعماريون في فن الآرت نوفو ، جول لافروت وهكتور جيمارد ، بتزيين واجهات المباني ببلاط السيراميك ، والعديد منها صنعته شركة ألكساندر بيجوت ، مما منحهم فنًا متميزًا مظهر نحتي. في سيراميك فن الآرت نوفو انتقل بسرعة إلى مجال النحت والهندسة المعمارية.

كان إرنست تشابلت ، أحد رواد صناعة الفن الفرنسيين الرائدين في فن الآرت نوفو ، يمتد على مدى ثلاثين عاما. بدأ إنتاج الحجري يتأثر بالنماذج اليابانية والصينية. وابتداءً من عام 1886 ، عمل مع الرسام بول غوغان في تصاميم الحجارة مع شخصيات تطبيقية ومقابض متعددة ومطلية ومزجج جزئيًا ، وتعاون مع النحاتين فيليكس براكموند وجولز دالو وأوغست رودين. كانت أعماله مشهودة في معرض 1900.

كان لشركات الخزف الوطنية الكبرى مكانة هامة في معرض باريس لعام 1900: صناعة الوطنية سيفر خارج باريس. Nymphenburg، Meissen، Villeroy & Boch in Germany، and Doulton in Britain. ومن بين كبار المصنّعين الفرنسيين البارزين: Taxile Doat و Pierre-Adrien Dalpayrat (fr) و Edmond Lachenal و Albert Dammouse (fr) و Auguste Delaherche.

في فرنسا ، عبرت أعمال فن الآرت نوفو في بعض الأحيان الخط إلى منحوتة. فازت راقصة تمثال الخزف مع وشاح من Agathon Léonard ، صنعت لصناعة Nationale de Sèvres ، في كلا الفئتين في معرض باريس عام 1900.

كان مصنع زسولناي في بيكس ، بالمجر ، بقيادة ميكلوس زسولناي (1800-1880) وابنه ، فيلموس زسولناي (1828–1900) ، مع كبير المصممين في تادي سيكورسكي (1852-1940) ، لإنتاج الحجارة وغيرها من الخزف في عام 1853. في عام 1893 ، قدم Zsolnay قطع الخزف المصنوعة من eosin. قاد المصنع إلى اعتراف عالمي من خلال عرض منتجاته المبتكرة في المعارض العالمية والمعارض الدولية ، بما في ذلك المعرض العالمي 1873 في فيينا ، ثم في المعرض العالمي 1878 في باريس ، حيث تلقى Zsolnay جائزة كبرى. واستخدمت زخارف بناء Zsolnay مقاومة الصقيع في العديد من المباني ، وتحديدا خلال حركة الفن الحديث.

المنسوجات وورق الحائط
كانت المنسوجات والخلفيات وسيلة مهمة لفن الأرت نوفو منذ بداية الأسلوب ، وعنصراً أساسياً في التصميم الداخلي لفن الآرت نوفو. في بريطانيا ، ساعدت تصميمات المنسوجات OWilliam Morris في إطلاق حركة الفنون والحرف اليدوية ثم الفن الحديث. تم إنشاء العديد من التصاميم لمتجر ليبرتي ذي الأقسام المتعددة في لندن ، والذي شاع أسلوبه في جميع أنحاء أوروبا. أحد هذه المصممات هو استوديو سيلفر ، الذي يوفر أنماط زهرية ملونة. تصاميم أخرى مميزة جاءت من مدرسة غلاسكو ، ومارجريت ماكدونالد ماكينتوش. قدمت مدرسة غلاسكو العديد من الأشكال المميزة ، بما في ذلك البيض المنمق ، وأشكال هندسية و “روز غلاسكو”.

في فرنسا ، تم تقديم مساهمة كبيرة من المصمم Eugène Grasset الذي نشر في عام 1896 La Plante et ses applications ornamentales ، مما يوحي بتصاميم Art Nouveau على أساس الزهور والنباتات المختلفة. تم تصميم العديد من الأنماط من قبل مصنعي المنسوجات الفرنسيين الرئيسيين في مولهوز وليل وليون من قبل ورش عمل ألمانية وبلجيكا. كان المصمم الألماني هيرمان أوبريست متخصصًا في أنماط الأزهار ، ولا سيما شكل بخور مريم والأسلوب “الجليدي” المستند إلى سيقان الأزهار ، والذي أصبح من أهم أنماط التصميم. قدم البلجيكي هنري فان دي فيلدي أعمال النسيج ، La Veillée d’Anges ، في Salon La Libre Esthéthique في بروكسل ، مستوحاة من رمزية Paul Gauguin و Nabis. في هولندا ، كانت المنسوجات غالباً مستوحاة من أنماط الباتيك من المستعمرات الهولندية في جزر الهند الشرقية. كما ألهم الفن الشعبي إنشاء المفروشات والسجاد والتطريز والمنسوجات في أوروبا الوسطى والدول الاسكندنافية ، في أعمال جيرهارد مونتي وفريدا هانسن في النرويج. ظهر تصميم Five Swans لـ Otto Eckmann في أكثر من مائة نسخة مختلفة. قام المصمم المجري يانوس فاسزاري بالجمع بين عناصر الفن الحديث والمواضيع الفلكلورية.