الفن الأكاديمي ، أو الأكاديمية أو الأكاديمية ، هو نمط من الرسم والنحت والعمارة تم إنتاجه تحت تأثير الأكاديميات الأوروبية للفنون. على وجه التحديد ، الفن الأكاديمي هو الفن والفنانين المتأثرين بمعايير الأكاديمية الفرنسية للفنون الجميلة ، التي مارست في ظل حركات الكلاسيكية الجديدة والرومانسية ، والفن الذي اتبع هاتين الحركتين في محاولة لتوليف كل من أنماطهما ، والذي يتجلى بشكل أفضل في لوحات ويليام أدولف بوغيرو وتوماس كوتور وهانز ماكارت. في هذا السياق ، غالبًا ما يطلق عليها “الأكاديمية” ، و “الأكاديمية” ، و “فن الفن” (بشكل مزعج) ، و “الانتقائية” ، وأحيانًا ترتبط بـ “التاريخية” و “التوفيق”.

يشمل الفن الأكاديمي اللوحات والمنحوتات التي تم إنشاؤها تحت تأثير الأكاديميات الأوروبية ، حيث تلقى العديد من الفنانين في هذا الوقت تدريبهم الرسمي. ألزم الفن الأكاديمي نفسه بشريعة ذات طابع أدبي وأسطوري وتاريخي في الغالب من المواضيع المسموح بها أو المرغوبة. لم يبد فنانيها أي اهتمام بتصوير الحياة اليومية أو التدنيس. لذا فإن الفن الأكاديمي ليس واقعياً ولكنه مثالي.

من حيث الأسلوب ، زرع الفن الأكاديمي المثالية لتقليد أرسطو المثالي والانتقائي للواقع (mimesis). مع إتقان مثالي للون والضوء والظل ، تم عمل الأشكال بطريقة شبه صورة واقعية. تظهر بعض اللوحات “إنهاء مصقول” حيث لم يعد بإمكانك رؤية ضربة فرشاة على العمل النهائي. اهتزت هذه الفن المثالي إلى أسسها في منتصف القرن التاسع عشر من خلال اختراع التصوير الفوتوغرافي.

كانت المدرسة الفرنسية للفنون ، التي تأثرت بالكلاسيكية الجديدة والرومانسية ، مؤثرة بشكل خاص في الأسلوب. قام الفن الأكاديمي في وقت لاحق بتجميع هذين الأسلوبين ، والذي يمكن رؤيته بشكل جيد للغاية في لوحات ويليام أدولف بوغيرو وتوماس كوتور وهانز ماكارت.

مع ظهور أنماط فنية لاحقة ، وخاصة الانطباعية ، تم احتقار الفن الأكاديمي ورفضه على أنه “انتقائية”. منذ بداية ونهاية القرن العشرين ، اعتبرها معظم خبراء الفن ذات أهمية قليلة ، لذلك لم يتم ذكرها واختفائها في مستودعات المتحف ؛ من حين لآخر كان يطلق عليهم اسم “فن pompier”. كما تم فقدان الأسلوب الأكاديمي للرسم من خلال حقيقة أنه تم رفعه إلى مستوى مطلق من قبل سياسات الفن الاشتراكي الوطني. بقي عدد قليل من الفنانين الأكبر سنا مخلصين لها حتى الستينيات.

فقط في التسعينات تم “إعادة اكتشاف” الفن الأكاديمي لـ fin de siècle شيئًا فشيئًا ومنذ ذلك الحين اكتسب تقديرًا متزايدًا. في حين أن الرسم ذهب في طريقه الخاص من خلال التفكير في متطلباته الخاصة واستجوابها ، استمر الفيلم التاريخي على وجه الخصوص ، وخاصة فيلم صندل ، في شهوة الأكاديمية لإعادة بناء الماضي.

الأكاديمية الفرنسية
أصل الاسم الفرنسي بومبير – باللغة الإيطالية ، رجل الإطفاء – غير مؤكد: يمكن أن يستمد من خوذات شخصيات الآلهة والأبطال الكلاسيكيين ، على غرار خوذات رجال الإطفاء ، أو يشير إلى نفس رجال الإطفاء الحاضرين ، مع مهام السلامة ، خلال المعارض فتح في الصالونات الرسمية ، أو الرجوع إلى رسامي دائرة تشارلز جلير ، مؤيدي تقليد لوحة بومبيان ، أو أخيرًا ، لمعالجة العديد من التصورات الثرية والبلاغة.

إن التيار الفني للكلاسيكية الجديدة ، الذي نشأ في القرن الثامن عشر وامتد إلى جزء من النصف الأول من القرن التاسع عشر ، كان في الصرامة العقلانية لأسلوبه الشرط الأول لإرضاء التدريس في المدارس واقترح ، في محتواه ، طريق التقليد ، ليس بالفعل من الطبيعة المرئية والحياة الحقيقية للمجتمع ، ولكن من المنتجات الفنية وتاريخ وأساطير ذلك الماضي البعيد ، اليوناني والروماني ، والتي أشارت إليها كنموذج للتناغم والجمال المثالي. في فرنسا ، المثال الإيحائي لفن ديفيد – علاوة على ذلك يتعارض شخصيًا مع أي أكاديمية – ثم فن الطالب إنجرس ، سينقل الإجماع وينتج المقلدين.

تم إنشاء الأكاديمية الملكية للرسم والنحت في فرنسا عام 1648 ، بهدف ضمان حصول الفنانين على شهادة الجودة ، ومنحهم أسلوبًا يعتمد على البساطة جنبًا إلى جنب مع العظمة والانسجام والنقاء. ولهذه الغاية ، ذُكرت الحاجة إلى مراعاة المبادئ التالية:

دراسة العارية والتشريح
تقليد القدماء والطبيعة المثالية
تحقيق الأعمال في الاستوديو بدلا من الهواء الطلق
أسبقية التصميم على اللون
اكتمال العمل

لم تتغير معايير التدريب هذه على مر القرون وتم الحفاظ عليها من قبل أساتذة مدرسة الفنون الجميلة ، طلاب ديفيد ثم إنجرس ، الذين اتبعوا المبادئ التي وضعها مدرسوهم: ليتم قبولهم ، كان على الطلاب اجتياز مسابقة تتكون من إعدام عارية كنموذج حي.

الأكاديميات في التاريخ
تأسست أول أكاديمية للفنون في فلورنسا في إيطاليا من قبل Cosimo I de ‘Medici ، في 13 يناير 1563 ، تحت تأثير المهندس المعماري Giorgio Vasari الذي أطلق عليها Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (الأكاديمية وشركة فنون الفنون الرسم) حيث تم تقسيمه إلى فرعين عاملين مختلفين. في حين أن الشركة كانت نوعًا من الشركات التي يمكن أن ينضم إليها كل فنان عامل في توسكانا ، إلا أن الأكاديمية كانت تضم فقط الشخصيات الفنية البارزة في بلاط Cosimo ، وكان لديها مهمة الإشراف على الإنتاج الفني الكامل للدولة الطبية. في هذه المؤسسة الطبية ، تعلم الطلاب “arti del disegno” (وهو مصطلح صاغه فاساري) واستمعوا إلى محاضرات عن علم التشريح والهندسة. تأسست أكاديمية أخرى ، أكاديمية سان لوكا (سميت على اسم قديس الرسامين ، القديس لوقا) ، بعد حوالي عقد من الزمان في روما. خدم أكاديميا دي سان لوكا وظيفة تعليمية وكان مهتمًا بنظرية الفن أكثر من نظرية فلورنسا. في عام 1582 ، افتتح أنيبالي كاراشي أكاديمية ديسيديروسي المؤثرة للغاية في بولونيا دون دعم رسمي. في بعض النواحي كان هذا أشبه بورشة عمل لفنان تقليدي ، لكنه شعر بالحاجة إلى تصنيفها على أنها “أكاديمية” يوضح جاذبية الفكرة في ذلك الوقت.

خدم Accademia di San Luca في وقت لاحق كنموذج لأكاديمية الفنون الجميلة والنحت التي تأسست في فرنسا في عام 1648 ، والتي أصبحت فيما بعد أكاديمية الفنون الجميلة. تأسست أكاديمية الفنون الجميلة والنحت في محاولة لتمييز الفنانين “الذين كان السادة يمارسون فنًا ليبراليًا” عن الحرفيين الذين كانوا يعملون في العمل اليدوي. كان لهذا التركيز على المكون الفكري لصناعة الفن تأثير كبير على مواضيع وأنماط الفن الأكاديمي.

بعد إعادة تنظيم Académie royale de peinture et de sculpture في عام 1661 من قبل لويس الرابع عشر الذي كان هدفه السيطرة على جميع الأنشطة الفنية في فرنسا ، حدث جدل بين الأعضاء الذين سيطروا على المواقف الفنية لبقية القرن. كانت “معركة الأنماط” هذه نزاعًا حول ما إذا كان بيتر بول روبنز أو نيكولاس بوسين نموذجًا مناسبًا للمتابعة. جادل أتباع بوسين ، المسمى “poussinistes” ، بأن الخط (disegno) يجب أن يهيمن على الفن ، بسبب جاذبيته للعقل ، في حين جادل أتباع روبنز ، الذين يدعون “rubenistes” ، بأن اللون (اللون) يجب أن يهيمن على الفن ، بسبب جاذبية العاطفة.

تم إحياء النقاش في أوائل القرن التاسع عشر ، في ظل حركات الكلاسيكية الجديدة التي تميزت بأعمال جان أوغست دومينيك إنجرس ، والرومانسية التي تميزت بأعمال فنية يوجين ديلاكروا. كما دار نقاش حول ما إذا كان من الأفضل تعلم الفن من خلال النظر إلى الطبيعة ، أو التعلم من خلال النظر إلى أساتذة الفن في الماضي.

تشكلت الأكاديميات التي تستخدم النموذج الفرنسي في جميع أنحاء أوروبا ، وتقليد تعاليم وأنماط الأكاديمية الفرنسية. في إنجلترا ، كانت هذه الأكاديمية الملكية. يمكن اعتبار الأكاديمية الدنماركية الملكية للفنون الجميلة التي تأسست عام 1754 مثالاً ناجحًا في دولة أصغر ، والتي حققت هدفها المتمثل في إنتاج مدرسة وطنية وتقليل الاعتماد على الفنانين المستوردين. تم تدريب جميع رسامي العصر الذهبي الدنماركي من 1800-1850 تقريبًا هناك ، وعاد الكثيرون للتدريس وتاريخ فن الدنمارك أقل تميزًا بالتوتر بين الفن الأكاديمي وأنماط أخرى مما هو عليه الحال في البلدان الأخرى .

كان أحد آثار الانتقال إلى الأكاديميات هو جعل التدريب أكثر صعوبة للفنانات اللاتي تم استبعادهن من معظم الأكاديميات حتى النصف الأخير من القرن التاسع عشر (1861 للأكاديمية الملكية). كان هذا جزئيًا بسبب المخاوف من عدم الدقة التي قدمها العري. غالبًا ما تم عمل ترتيبات خاصة للطالبات حتى القرن العشرين.

تطوير الأسلوب الأكاديمي
منذ بداية نقاش بوسينيست-روبنست ، عمل العديد من الفنانين بين الأسلوبين. في القرن التاسع عشر ، في الشكل المتجدد للنقاش ، أصبح اهتمام وأهداف عالم الفن هو توليف خط الكلاسيكية الجديدة مع لون الرومانسية. ادعى النقاد فنانًا تلو الآخر أنه حقق التوليف ، من بينهم ثيودور تشاسريو وأري شيفر وفرانشيسكو هايز وألكسندر جابرييل ديكامب وتوماس كوتور. علق وليام أدولف بوغيرو ، وهو فنان أكاديمي في وقت لاحق ، على أن الحيلة في أن تكون رسامًا جيدًا هي رؤية “اللون والخط كشيء واحد”. طور توماس كوتور نفس الفكرة في كتاب ألفه عن طريقة الفن – بحجة أنه كلما قال أحدهم أن اللوحة لها لون أفضل أو خط أفضل فإنها تكون هراء ، لأنه كلما ظهر اللون الرائع ، كان يعتمد على الخط لنقله ، والعكس بالعكس ؛ وكان هذا اللون حقًا طريقة للتحدث عن “قيمة” الشكل.

تطور آخر خلال هذه الفترة تضمن تبني الأساليب التاريخية من أجل إظهار العصر في التاريخ الذي صورته اللوحة ، يسمى التاريخية. يمكن رؤية هذا بشكل أفضل في عمل البارون جان أوغست هندريك ليز ، وهو تأثير لاحق على جيمس تيسوت. كما يُرى أيضًا في تطوير أسلوب Neo-Grec. يقصد بالتاريخية أيضًا الإشارة إلى المعتقد والممارسة المرتبطة بالفن الأكاديمي التي يجب على المرء دمجها والتوفيق بين ابتكارات التقاليد الفنية المختلفة من الماضي.

نما عالم الفن أيضًا لإعطاء تركيز متزايد على الرمز في الفن. أكدت نظريات أهمية الخط واللون على حد سواء أنه من خلال هذه العناصر ، يمارس الفنان السيطرة على الوسط لخلق تأثيرات نفسية ، حيث يمكن تمثيل الموضوعات والعواطف والأفكار. عندما حاول الفنانون تجميع هذه النظريات في الممارسة العملية ، تم التأكيد على الاهتمام بالعمل الفني كوسيلة مجازية أو رمزية. قيل أن التماثيل في الرسم والنحت يجب أن تثير الأشكال الأفلاطونية ، أو المثل العليا ، حيث يمكن للمرء وراء الصور العادية أن يلقي نظرة على شيء تجريدي ، بعض الحقيقة الأبدية. ومن ثم ، تأليف كيتس الشهير “الجمال حقيقة ، جمال الحقيقة”. كان المطلوب من اللوحات أن تكون “فكرة” ، فكرة كاملة وكاملة. من المعروف أن بوغيرو قال إنه لن يرسم “حرب” ، ولكنه سيرسم “حرب”. العديد من اللوحات للفنانين الأكاديميين هي شخصيات رمزية طبيعية بسيطة مع عناوين مثل Dawn و Dusk و Seeing و Tasting ، حيث يتم تجسيد هذه الأفكار من خلال شخصية عارية واحدة ، تتكون بطريقة تبرز جوهر الفكرة.

كان الاتجاه في الفن أيضًا نحو قدر أكبر من المثالية ، وهو ما يتعارض مع الواقعية ، من حيث أن الأرقام المصورة تم جعلها أبسط وأكثر تجريدًا – مثالية – من أجل أن تكون قادرة على تمثيل المثل العليا التي يمثلونها. وسيشمل ذلك كلا من تعميم الأشكال الظاهرة في الطبيعة ، وإخضاعها لوحدة العمل الفني وموضوعه.

نظرًا لأن التاريخ والأساطير اعتبرتا مسرحيات أو جدلية أفكار ، كانت الأرض الخصبة للرموز الرمزية ، استخدام مواضيع من هذه الموضوعات تعتبر أخطر أشكال الرسم. تم تقييم التسلسل الهرمي للأنواع ، الذي تم إنشاؤه في الأصل في القرن السابع عشر ، حيث تم وضع رسم التاريخ – الموضوعات الكلاسيكية والدينية والأساطير والأدبية والمرجعية – في الأعلى ، والرسم النوعي التالي ، ثم الرسم ، الحياة الساكنة ، والمناظر الطبيعية . كانت لوحة التاريخ تُعرف أيضًا باسم “النوع الكبير”. غالبًا ما تكون لوحات هانز ماكارت أكبر من الدراما التاريخية الحياتية ، ودمجها مع التاريخية في الزخرفة للسيطرة على أسلوب ثقافة فيينا في القرن التاسع عشر. بول ديلاروش هو مثال نموذجي على لوحة التاريخ الفرنسي.

تأثرت كل هذه الاتجاهات بنظريات الفيلسوف هيجل ، الذي رأى أن التاريخ كان جدلية الأفكار المتنافسة ، والتي حلت في نهاية المطاف في التوليف.

في نهاية القرن التاسع عشر ، شبع الفن الأكاديمي المجتمع الأوروبي. عُقدت معارض في كثير من الأحيان ، وكان المعرض الأكثر شعبية هو صالون باريس وبداية عام 1903 ، صالون أوتومان. كانت هذه الصالونات أحداثًا مثيرة اجتذبت حشودًا من الزوار ، المحليين والأجانب. بقدر ما هو شأن اجتماعي مثل فني ، يمكن أن يزوره 50،000 شخص في يوم أحد ، ويمكن أن يشاهد ما يصل إلى 500000 شخص خلال المعرض الذي يستمر لمدة شهرين. تم عرض آلاف الصور ، معلقة من أسفل مستوى العين وصولاً إلى السقف بطريقة تعرف الآن باسم “أسلوب الصالون”. كان العرض الناجح في الصالون ختم موافقة لفنان ، مما جعل عمله قابلاً للبيع في صفوف متزايدة من جامعي الأعمال الخاصين. كان Bouguereau و Alexandre Cabanel و Jean-Léon Gérôme شخصيات بارزة في عالم الفن هذا.

خلال عهد الفن الأكاديمي ، تم إعادة إحياء لوحات عصر الروكوكو ، التي كانت في السابق في صالح منخفض ، إلى الشعبية ، وكانت الموضوعات المستخدمة غالبًا في فن الروكوكو مثل إيروس و Psyche تحظى بشعبية مرة أخرى. كما كان عالم الفن الأكاديمي يعبد رافائيل ، بسبب مثالية عمله ، في الواقع يفضله على مايكل أنجلو.

ازدهر الفن الأكاديمي في بولندا في عهد جان ماتيجكو ، الذي أسس أكاديمية كراكوف للفنون الجميلة. يمكن رؤية العديد من هذه الأعمال في معرض الفن البولندي في القرن التاسع عشر في Sukiennice في كراكوف.

لم يكن للفنون الأكاديمية نفوذ في أوروبا والولايات المتحدة فحسب ، بل امتد تأثيره أيضًا إلى دول غربية أخرى. كان هذا صحيحًا بشكل خاص لدول أمريكا اللاتينية ، التي سعت إلى محاكاة الثقافة الفرنسية ، لأن ثوراتها على غرار الثورة الفرنسية. مثال على الفنان الأكاديمي في أمريكا اللاتينية هو أنجيل زاراغا من المكسيك.

هزيمة وتطور الأكاديمية
أكد عام 1897 هزيمة الأكاديمية. دخل إدوارد مانيه وإدغار ديغاس وكاميل بيسارو وكلود مونيه وأوغست رينوار وسيزل وبول سيزان مؤسسة رسمية ، متحف اللوكسمبورغ ، محفوظة لأوامر الحكومة. تم قبول إرث غوستاف كايلبوت ، راعي الانطباعيين ، جامع الرسام نفسه بعد ثلاث سنوات من القتال العنيف (تم قبول لوحات ديغا فقط لأول مرة). كان مجلس الدولة هو الذي قرر ، بحجة أن هذه الأعمال كانت في الواقع جزءًا من تاريخ الرسم الفرنسي. في الواقع ، تم قطع الكمثرى إلى النصف: من أصل 67 لوحة ، تم رفض 29 لوحة. هدد جيروم بالاستقالة من كرسيه كأستاذ للفنون الجميلة ، ووصف هذه اللوحات بأنها “القمامة” ، ورؤية في دخولها إلى لوكسمبورغ علامة “نهاية الأمة”.

تضاعفت التيارات الطليعية. أصبحت الأكاديمية ومدرسة الفنون الجميلة أنفسهم أكثر انتقائية ، تلاحظ كلير باربيون. بعد رفضها خلال الإمبراطورية الثانية ، باستثناء بعض الأشكال المخففة ، تم تبني الطبيعة من قبل أكثر الرسامين الرسميين في الجمهورية الثالثة ، تكتب. أما بالنسبة للرمزية ، فهي تجمع رسمياً بين الفنانين التقليديين إلى حد ما ، مثل غوستاف مورو ، والرسامين المبتكرين جذريًا مثل Gauguin أو Odilon Redon.

سيكون افتتاح متحف أورسيه في عام 1986 مناسبة للجدل الحاد في فرنسا. سيرى الكثير في ذلك إعادة تأهيل “رجال الاطفاء” ، حتى “التحريفية”. ومع ذلك ، اعتبر أندريه شاستل ، في وقت مبكر من عام 1973 ، أنه لا توجد سوى مزايا يمكن استبدالها بحكم عالمي على الانتقام ، وإرث المعارك القديمة ، وفضول هادئ وموضوعي.

التدريب الاكاديمي
أمضى الفنانون الشباب أربع سنوات في تدريب صارم. في فرنسا ، تم قبول الطلاب الذين اجتازوا الامتحان وحملوا رسالة مرجعية من أستاذ الفنون المرموق في مدرسة الأكاديمية ، مدرسة الفنون الجميلة. كانت الرسومات واللوحات العارية ، المسماة “الأكاديميات” ، هي اللبنات الأساسية للفن الأكاديمي وتم تحديد إجراء تعلم صنعها بوضوح. أولاً ، قام الطلاب بنسخ المطبوعات بعد التماثيل الكلاسيكية ، وأصبحوا على دراية بمبادئ الكفاف والضوء والظل. يعتقد أن النسخة حاسمة بالنسبة للتعليم الأكاديمي. من نسخ أعمال الفنانين السابقين يمكن للمرء استيعاب أساليبهم في صنع الفن. للتقدم إلى الخطوة التالية ، وكل خطوة تالية ، قدم الطلاب رسومات للتقييم.

إذا تمت الموافقة عليها ، فسوف يتم سحبها من قوالب الجبس للتماثيل الكلاسيكية الشهيرة. فقط بعد اكتساب هذه المهارات ، سمح للفنانين بالدخول إلى الفصول التي طرح فيها نموذج حي. لم يتم تدريس الرسم في مدرسة الفنون الجميلة حتى بعد عام 1863. لتعلم الرسم بفرشاة ، كان على الطالب أولاً إظهار الكفاءة في الرسم ، والذي كان يعتبر أساس الرسم الأكاديمي. عندها فقط يمكن للتلميذ الانضمام إلى استوديو أكاديمي وتعلم كيفية الرسم. طوال العملية بأكملها ، قامت المسابقات ذات الموضوع المحدد مسبقًا وفترة زمنية محددة محددة بقياس تقدم كل طالب.

كانت صعوبة الاختبار تعني أنه لم يكن على الطالب عمومًا الخضوع للمسابقة إلا بعد اتباع دورة تدريب طويلة في ورشة خاصة ، حيث كان قد اتبع مسارًا دراسيًا صارمًا. في البداية ، كان يجب نسخ الرسومات أو المطبوعات ، وبعد أشهر من التمرين ، انتقلنا إلى الفقس والابتزاز إلى التظليل. تمثلت خطوة مهمة لاحقة في نسخة الطباشير ، أو نسخ التماثيل نصفية أو الأعمال الكلاسيكية بأكملها ، مصحوبة بدراسة تاريخ الفن والأدب والأساطير ، وتكرار الموضوعات التي تم تناولها هنا في الرسم والنحت.

بعد هذه المرحلة ، يمكن للطالب أن يبدأ “دراسة الطبيعة” ، برسم النموذج الحي وفقًا للخطوات التي انتقلت من الرسم البسيط – الاستحواذ – الهيكل العظمي للتكوين – إلى التعريف الأكبر للرسم – الإيبوتشي – حيث تم تقسيم الظلال بنصف ظلال وضوء ، وصولاً إلى الاهتمام بالتفاصيل – la mise en place – والتصميم النهائي. لكن النموذج الحي لا يزال يتعين “تصحيحه” ، والقضاء على “عيوب الطبيعة” ، وتصحيحها وفقًا لنموذج مثالي للنبل واللياقة.

كانت المسابقة الفنية الأكثر شهرة للطلاب هي Prix de Rome. حصل الفائز بجائزة Prix de Rome على زمالة للدراسة في مدرسة Académie française في فيلا Medici في روما لمدة تصل إلى خمس سنوات. للتنافس ، كان يجب أن يكون الفنان من الجنسية الفرنسية ، وأن يكون ذكرًا ، وأن يكون عمره أقل من 30 عامًا وأن يكون أعزب كان عليه أن يكون قد استوفى متطلبات دخول المدرسة وأن يحصل على دعم مدرس فن معروف. كانت المنافسة مرهقة ، حيث شملت عدة مراحل قبل المرحلة النهائية ، حيث تم حجز 10 منافسين في الاستوديوهات لمدة 72 يومًا لرسم لوحاتهم النهائية للتاريخ. تم التأكيد للفائز بشكل أساسي على مهنة مهنية ناجحة.

كما لوحظ ، كان العرض الناجح في الصالون ختم موافقة لفنان. قدم الفنانون التماسا إلى اللجنة المعلقة لوضعها على النحو الأمثل “على الخط” أو على مستوى العين. بعد افتتاح المعرض ، اشتكى الفنانون إذا كانت أعمالهم “مظلمة” ، أو معلقة للغاية. كان الإنجاز النهائي للفنان المحترف هو انتخاب العضوية في Académie française والحق في أن يعرف كأكاديمي.

في غضون ذلك ، واصل التلميذ دراسته للتكوين مع ممارسة الكروكيس ، والرسم السريع لحظات الحياة اليومية لتحفيز الخيال الشخصي ، الذي تم ترجمته إلى دفاتر ملاحظاته الخاصة ، carnets de poche.

كرر طالب الأكاديمية دورة الرسم التي اتبعتها بالفعل في الورشة للوصول أخيرًا إلى دورة الرسم ، على غرار دورة الرسم. تم إعطاء أهمية كبيرة للرسم التخطيطي ، الذي تم من أجله عقد دورات خاصة في الأكاديمية ، تليها المسابقات: كان تعبيرًا عن إبداع الطالب الذي أعطى التفاصيل ، وأعطى شكلًا عامًا لمفهومه الخاص للتأليف. ومع ذلك ، كان لابد من تنظيم هذا الإبداع وتنظيمه من خلال دراسة الماجستير. وهكذا ، من الاستحواذ انتقل إلى ébauche ، المصنوعة في الفحم ، والتي تم تمرير الصلصة عليها ، من الطوب الأحمر الخفيف ؛ تم بعد ذلك عجن المقاصة وتخفيف الظلال لجعلها شبه شفافة.

لذلك يكمن تركيز الدورة الأكاديمية في النسخة: من النموذج الحي ، والطباشير ، التي تعيد التماثيل القديمة ، ولوحات أساتذة عصر النهضة. وبهذه الطريقة ، لم يتقن الطالب أسلوبه اليدوي وطريقته في تنظيم المجلدات فحسب ، بل أخذ عقلية موجهة نحو الماضي ، حيث رسم باستمرار مصدر اختراعه ، والذي غالبًا ما كان اقتباسًا من الأعمال الكلاسيكية: وهكذا تم حث الرسام الذي غادر الأكاديمية على إعادة ما تم بالفعل أو تغيير المخترع بالفعل أو تمويه المصادر المستخدمة.

تشهد الخلفية الأكاديمية على احتراف الفنان ، الذي يمكنه بالتالي أن يقدم نفسه في المجتمع بـ “أوراق منظمة”. للحصول على الاعتراف النهائي وضمان لجان الدولة الرسمية ولجان جامعي القطاع الخاص ، ومع ذلك ، كان من الضروري تكريس نجاح علني في Prix de Rome و Paris Salon.

النقد والإرث
تم انتقاد الفن الأكاديمي لأول مرة بسبب استخدامه للمثالية ، من قبل الفنانين الواقعيين مثل Gustave Courbet ، لأنه يستند إلى الكليشيهات المثالية ويمثل دوافع أسطورية وأسطورية بينما يتم تجاهل المخاوف الاجتماعية المعاصرة. كان الانتقاد الآخر الذي وجهه الواقعيون هو “السطح الزائف” للوحات – الأشياء التي تم تصويرها بدت ناعمة ونظيفة ومثالية – والتي لا تظهر أي نسيج حقيقي. عمل الواقعي Théodule Ribot ضد هذا من خلال تجربة القوام الخام غير المكتمل في لوحته.

من الناحية الأسلوبية ، انتقد الانطباعيون ، الذين دافعوا عن الرسم بسرعة في الهواء الطلق بالضبط بالضبط ما تراه العين وتضع اليد ، أسلوب الرسم النهائي والمثالي. على الرغم من أن الرسامين الأكاديميين بدأوا في الرسم عن طريق عمل رسومات أولاً ثم رسم رسومات زيتية لموضوعهم ، إلا أن التلميع العالي الذي أعطوه لرسوماتهم بدا بالنسبة إلى الانطباعيين بمثابة كذب. بعد الرسم الزيتي ، سيقوم الفنان بإنتاج اللوحة النهائية مع “fini” الأكاديمي ، ويغير اللوحة لتلبية المعايير الأسلوبية ومحاولة إضفاء الطابع المثالي على الصور وإضافة تفاصيل مثالية. وبالمثل ، يتم إنشاء المنظور هندسيًا على سطح مستوٍ وليس في الواقع نتاجًا للرؤية ، فقد تخلى الانطباعيون عن الإخلاص للتقنيات الميكانيكية.

تحدى الواقعيون والانطباعيون أيضًا وضع الحياة الساكنة والمناظر الطبيعية في الجزء السفلي من التسلسل الهرمي للأنواع. من المهم أن نلاحظ أن معظم الواقعيين والانطباعيين وغيرهم من الطليعة الأوائل الذين تمردوا ضد الأكاديمية كانوا في الأصل طلابًا في ورش عمل أكاديمية. كان كلود مونيه وغوستاف كوربيه وإدوارد مانيه وحتى هنري ماتيس طلابًا تحت إشراف فنانين أكاديميين.

مع اكتساب الفن الحديث وطليعته مزيدًا من القوة ، تم تشويه الفن الأكاديمي أكثر ، واعتبره عاطفيًا ، مبتذلًا ، محافظًا ، غير مبتكر ، برجوازي ، و “لا يغتفر”. أشار الفرنسيون بسخرية إلى أسلوب الفن الأكاديمي باسم L’art Pompier (تعني كلمة pompier “رجل إطفاء”) ملمحًا إلى لوحات جاك لويس ديفيد (الذي احتفظ به الأكاديمية) والتي غالبًا ما تصور جنودًا يرتدون خوذات تشبه رجال الإطفاء . كانت اللوحات تسمى “آلات كبيرة” قيل أنها صنعت مشاعر كاذبة من خلال الاختراعات والحيل.

بلغ هذا التشويه للفن الأكاديمي ذروته من خلال كتابات الناقد الفني كليمنت جرينبيرج الذي صرح بأن كل الفن الأكاديمي هو “كيتش”. كان الفنانون الآخرون ، مثل الرسامين الرمزيين وبعض السرياليين ، أكثر لطفا للتقاليد. بصفتهم رسامين سعى إلى جلب آفاق خيالية إلى الحياة ، كان هؤلاء الفنانون أكثر استعدادًا للتعلم من تقليد تمثيلي قوي. بمجرد أن أصبح ينظر إلى التقليد على أنه قديم الطراز ، ضربت العرايا المجازية والشخصيات المسرحية بعض المشاهدين على أنهم غريبون وشبه الحلم.

مع أهداف ما بعد الحداثة في إعطاء تاريخ أكثر اكتمالا وأكثر اجتماعية والتعددية ، أعيد الفن الأكاديمي إلى كتب التاريخ والمناقشة. منذ أوائل التسعينات ، شهد الفن الأكاديمي عودة محدودة من خلال حركة أتيليه الواقعية الكلاسيكية. بالإضافة إلى ذلك ، فإن الفن يحظى بتقدير أوسع من قبل الجمهور بشكل عام ، في حين أن اللوحات الأكاديمية كانت ستجلب مرة واحدة بضع مئات من الدولارات في المزادات ، بعضها يجلب الآن الملايين.